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Ermanno Wolf-Ferrari nasce a Venezia il 12 gennaio 1876 e muore a Venezia il 21 gennaio 1948.

E’ un compositore italiano.

Nasce a Venezia da padre tedesco e da madre italiana con il nome di Ermanno Wolf dopodiché, nel 1895, aggiunge al proprio cognome quello materno, Ferrari.

Per Wolf-Ferrari la Musica non è il suo interesse primario (infatti, da bambino desidera diventare un pittore, proprio come il padre e il fratello Teodoro), ma studia Musica fin dalla prima infanzia e, la sua formazione musicale, si svolge tra Venezia e Monaco di Baviera, dove si rende conto del proprio futuro di compositore.

Lascia il Conservatorio di Monaco all’età di 19 anni e ritorna a Venezia, dove lavora come Maestro di Coro e conosce Arrigo Boito e Giuseppe Verdi.

L’esito della sua opera “Cenerentola” è infelice e spinge Wolf-Ferrari a soggiornare nuovamente a Monaco.

Il proprio stile operistico lo rinnova progressivmente osservando i suoi modelli: Mozart e Rossini; sono loro per la loro leggerezza, ma anche la tarda esperienza verdiana, in particolare, quella dell’opera “Falstaff”.

E’ impegnato per circa trent’anni come Operista: l’incontro con il Teatro di Carlo Goldoni è molto fortunato, da cui traspone in musica “Le donne curiose” (1903), “I quatro rusteghi” (1906), “La vedova scaltra” (1931) ed “Il Campiello” (1936).
In queste opere, Wolf-Ferrari rappresenta il Settecento come modello di eleganza, compostezza ed equilibrio formale: ossia, i motivi principali del loro successo conseguito nei teatri di tutto il Mondo.

E’ Direttore d’Orchestra, al Teatro “Coccia” di Novara, ne “La forza del destino” di Verdi.

Negli ultimi anni di vita, Wolf-Ferrari sceglie di dedicarsi soprattutto alla produzione strumentale.

Nonostante la “Seconda Scuola” di Vienna, emerge un senso di spontanea cantabilità e trasparenza, per cui scrive pagine come la “Suite Concertino per fagotto e orchestra”, del 1932 e l’ “Idillio-Concertino per oboe, due corni e archi”.
1936: nascono la “Suite Veneziana” e un “Trittico per orchestra”.

Anni della Seconda Guerra Mondiale: vengono creati il “Concerto per violino” e il “Concerto per violoncello” (1944).
E’ da ricordare, nell’ultimissimo periodo di vita del Musicista, un’interessante composizione “Piccolo Concerto per corno inglese, due corni e archi” (del 1947), un anno prima del suo decesso, a Venezia in “Palazzo Malipiero”, in cui trascorre gli ultimi anni della sua vita, ricevendo le visite dei suoi moltissimi estimatori.

Composizioni:

< Negli ultimi anni è in corso un recupero della sua musica strumentale da parte del Pianista Costantino Catena, che ha registrato le sue “Opere per Pianoforte”, le “Sonate per violino e pianoforte”, la “Sonata per violoncello e pianoforte” e il “Quintetto per pianoforte” per l’etichetta “Brilliant Classics”.

< Il lavoro di Wolf-Ferrari non è eseguito molto frequentemente (ad eccezione di molte delle sue Ouvertures e del suo intermezzo da “I gioielli della Madonna”) sebbene egli sia generalmente considerato il miglior scrittore di opere comiche italiane del suo tempo. Le sue opere ricordano spesso l’opera buffa del Settecento, ma egli scrisse anche opere più ambiziose alla maniera di Pietro Mascagni.

Opere liriche:

. Irene, composta nel 1895–6, ma non rappresentata
. La Camargo, Maria Pezzé Pascolato, da Alfred de Musset, composta nel 1897, ma non pubblicata
. Cenerentola (più tardi riveduta come Aschenbrödel), fiaba musicale, 3 atti, Maria Pezzè Pascolato, da Charles Perrault, 22 febbraio 1900, Venezia, Teatro La Fenice
. Le donne curiose (Die neugierigen Frauen), 3 atti, Luigi Sugana, da Carlo Goldoni, 27 novembre 1903, Monaco di Baviera, Residenztheater
. I quatro rusteghi (Die vier Grobiane), 3 atti, Luigi Sugana e Giuseppe Pizzolato, da Carlo Goldoni, 19 marzo 1906, Monaco di Baviera, Hoftheater
. Il segreto di Susanna (Susannens Geheimnis), intermezzo, 1 atto, Enrico Golisciani, 4 dicembre 1909, Monaco di Baviera, Hoftheater
. I gioielli della Madonna (Der Schmuck der Madonna), 3 atti, Enrico Golisciani e Carlo Zangarini, 23 dicembre 1911, Berlino, Kurfürstenoper
. L’amore medico (Der Liebhaber als Arzt), 2 atti , Enrico Golisciani, da L’amore medico di Molière , 4 dicembre 1913, Dresda, Semperoper
. Gli amanti sposi, opera giocosa, 3 atti, Luigi Sugana, Giuseppe Pizzolato, Enrico Golisciani e Giovacchino Forzano, da Il ventaglio di Carlo Goldoni (1765), 19 febbraio 1925, Venezia, Teatro La Fenice
. Das Himmelskleid (La veste di cielo), leggenda , 3 atti, proprio, da Pelle d’asino di Charles Perrault, 21 aprile 1927, Monaco di Baviera, Nationaltheater
. Sly, 3 atti, Giovacchino Forzano, da La bisbetica domata di Shakespeare, 29 dicembre 1927, Milano, Teatro alla Scala
. La vedova scaltra, 3 atti, Mario Ghisalberti, da Carlo Goldoni, 5 marzo 1931, Roma, Teatro dell’Opera
. Il campiello, commedia lirica, 3 atti, Mario Ghisalberti, da Carlo Goldoni, 12 febbraio 1936, Milano, Teatro Alla Scala
. La dama boba, commedia lirica , 3 atti, Mario Ghisalberti, da Lope de Vega,16 giugno 1937, Magonza, Stadttheater
. Gli dei a Tebe (Der Kuckuck in Theben), 3 atti, Mario Ghisalberti, da Ludwig Strecker, 4 giugno 1943, Hannover, Staatsoper

Musica vocale:

. Otto cori (1898)
. La sulamite, canto biblico in due parti per soli, coro, orchestra e organo op. 2 (1898)
. Talitha Kumi (La figlia di Giairo), oratorio per tenore, 2 baritoni, coro e orchestra op. 3 (1900). Dall’episodio detto Talitha kumi del Vangelo secondo Marco
. Quattro rispetti per voce e pianoforte op. 11 (1902)
. Quattro rispetti per voce e pianoforte op. 12 (1902)
. La vita nuova, cantica su parole di Dante per soprano, baritono, coro e orchestra op. 9 (1905 al Teatro La Fenice di Venezia con Giuseppe Pacini)
. Canzoniere: 44 rispetti, stornelli ed altri canti su versi popolari toscani, per voce e pianoforte op. 17 (1936)
. La passione, su testi tradizionali toscani, per coro op. 21(1939); anche per voce e pianoforte (1940)

Musica da camera:

. Quintetto per archi (1894)
. Sonata n.1 per violino e pianoforte op. 1 (1895)
. Trio n.1 per pianoforte, violino e violoncello in re maggiore op. 5 (1898)
. Quintetto con pianoforte op. 6 (1900)
. Trio n.2 per pianoforte, violino e violoncello in fa diesis maggiore op. 7 (1900)
. Sinfonia da camera per archi e fiati con pianoforte obbligato op. 8 (1901)
. Sonata n.2 per violino e pianoforte op. 10 (1901)
. Quartetto per archi op. 23 (1940)
. Quintetto per archi op. 24 (1942)
. Sonata per due violini e pianoforte op. 25 (1943)
. Sonata n.3 per violino e pianoforte op. 27 (1940 ca.)
. Sonata per violoncello e pianoforte op. 30 (1945)
. Trio per archi op. 32 (1945)
. Duo per viola d’amore (o viola da gamba) e violino (o violoncello) op. 33 (1946)
. Introduzione e balletto per violino e violoncello op. 35 (1946)

Musica sinfonica:

. Serenata per archi (1893)
. Idillio-concertino per oboe, due corni e archi op. 15 (1933)
. Suite-concertino per fagotto, due corni e archi op. 16 (1933)
. Suite veneziana, per piccola orchestra op. 18 (1936)
. Trittico op. 19 (1936)
. Divertimento in re op. 20 (1937)
. Arabeschi op. 22 (1940)
. Concerto in re maggiore op. 26 per violino e orchestra (1943). Dedicato a Guila Bustabo
. Symphonia brevis op. 28 (1947)
. Concerto per violoncello (Invocazione) op. 31 (1944)
. Concertino per corno inglese, due corni e archi op. 34 (1947)
. Chiese di Venezia (1948, orchestrazione incompleta)

Musica pianistica:

. Sei pezzi facili (1898)
. Tre Impromptus op. 13 (1904)
. Tre pezzi op. 14 (1905)

Battuto al computer da Lauretta

ERMANNO WOLF-FERRARI:
https://it.wikipedia.org/wiki/File:Ermanno_Wolf-Ferrari.jpg

.

I QUATRO RISTEGHI, INTERMEZZO:  https://youtu.be/su8nEthSxvg

Ralph Vaughan Williams nasce a Down Ampney il 12 ottobre 1872 e muore a Londra il 26 agosto 1958.

E’ un compositore britannico, autore di sinfonie, musica da camera, opere liriche, musica corale e colonne sonore.

Ha pubblicato l’”English Hymnal”, una raccolta di arrangiamenti tipo “inno” di molte canzoni popolari britanniche e, il suo lavoro di catalogazione della Musica Popolare inglese ha inciso su buona parte della sua produzione artistica.

Vita e primi anni di Williams:

Il padre di Ralph Vaughan Williams è il reverendo Arthur Vaughan Williams (da notare: il doppio cognome Vaughan Williams, di origine gallese, è scritto senza trattino), è Vicario della città e muore nel 1875.
Il piccolo Ralph viene accudito da sua madre, Margaret Susan Wedgwood, bisnipote del vasaio Josiah Wedgwood.
Si trasferiscono a Leith Hill Place, una casa di proprietà dei Wedgwood, sulle Surrey Hills.

Charles Darwin è prozio di Ralph e, anche se appartenente ad una famiglia borghese, Vaughan Williams non dà mai per scontata la sua ricchezza, per cui lavora tutta la vita per le idee democratiche e egualitarie nelle quali crede.

La sua salvezza musicale è data dallo studio del pianoforte, durante gli anni scolastici presso la “Charterhouse School”; dopodiché, studia al “Royal College of Music” (RCM) sotto Charles Villiers Stanford.
Poi, assiste alle lezioni di Storia e Musica, al “Trinity College” dell’Università di Cambridge, dove tra i suoi amici e coetanei si trovano i filosofi G. E. Moore e Bertrand Russell.

In seguito torna al “Royal College of Music”, dove studia composizione con Hubert Parry di cui diventa amico.

Tra i suoi compagni di classe, Vaughan Williams conosce anche Leopold Stokowski (nel 1896, i due studiano insieme Organo con Sir Walter Parratt).
Stokowski, in seguito, dirigerà sei delle sinfonie di Vaughan Williams per il pubblico americano e, nel 1949, incide per la prima volta la “Sesta sinfonia” con la “New York Philharmonic”.
1958: Dirige, la “prima” della “Nona sinfonia” alla Carnegie Hall.

Al “Royal College of Music” stringe amicizia anche con Gustav Holst, compagno di scuola conosciuto nel 1895, col quale passerà molto tempo a leggere e a criticare costruttivamente le rispettive composizioni durante la loro creazione.

Vaughan Williams non ha fretta di comporre la canzone “Linden Lea” viene pubblicata per la prima volta quando il compositore ha trent’anni.

Oltre a commporre, dirige l’orchestra, è docente ed editore di musica di altri autori (da ricordare il lavoro effettuato sulla musica di Henry Purcell e la stesura dell’ “English Hymnal”).
1897: a Berlino, prende lezioni da Max Bruch e, negli anni 1907-1908, studia a Parigi con Maurice Ravel, evolvendo il suo stile orchestrale.

1904: Vaughan Williams scopre le carole e le canzoni popolari inglesi, che si stanno estinguendo a causa dell’aumento dell’alfabetizzazione e dell’arrivo della musica stampata, nelle zone rurali.

Viaggia attraverso il Paese e ricopia personalmente molte melodie.
In seguito, ne incorpora alcune nella sua musica, essendo rimasto affascinato dalla loro bellezza e dal ruolo che ricoprono nella vita della gente comune.

Contribuisce allo sviluppo dell’interesse verso il repertorio folkloristico inglese.
Ad una certa età, diventa Presidente della “English Folk Dance and Song Society” (EFDSS), la quale, in segno di riconoscenza verso il suo lavoro, in questo campo, gli intitola la “Vaughan Williams Memorial Library”.

In questo periodo si lega ad importanti scrittori appassionati di Musica Popolare (da ricordare il reverendo George B. Chambers).

1905: Vaughan Williams dirige il primo concerto al “Leith Hill Music Festival” a Dorking. Partecipa al Festival come Direttore d’Orchestra fino al 1953, quando subentra il suo successore William Cole.

1909: compone la musica di scena per “Le vespe di Aristofane”, commedia interpretata all’Università di Cambridge nel “Cambridge Greek Play”.

1910: il suo primo grande successo lo consegue dirigendo la prima della “Fantasia su un tema di Thomas Tallis” (al “Three Choirs Festival”, nella Cattedrale di Gloucester) e la sua sinfonia corale “A Sea Symphony (la No. 1)”.

1914: la sua fama aumenta maggiormente con “A London Symphony (Sinfonia No. 2)” diretta da Geoffrey Toye.

Ultime opere di Williams:

1905: Vaughan Williams fonda il “Leith Hill Music Festival” e vi collabora per tutta la vita.

1958: prima di decedere, completa altre tre sinfonie.

La “Settima”, chiamata “Sinfonia Antartica” (basata sulla sua colonna sonora del film “Scott of the Antarctic” del 1948), esprime il continuo interesse di Vaughan Williams per la sperimentazione sonora e strumentale.

L’”Ottava sinfonia”, la cui prima avviene nel 1956, è seguita dalla “Nona sinfonia in mi minore” (1956-1957), lavoro di maggiori dimensioni che, nel maggio del 1958, debutta solo tre mesi prima del decesso di Vaughan Williams e, all’inizio, ha un’accoglienza modesta a causa del clima tenebroso ed enigmatico ma, in seguito, tale clima risulta essere un punto d’arrivo che soddisfa il suo ciclo sinfonico.

La serie di lavori corali e strumentali (tra cui il “Tuba Concerto”, “An Oxford Elegy” su testi di Matthew Arnold e la cantata natalizia “Hodie”) viene terminata, dopodiché arrangia “The Old One Hundredth Psalm Tune” per l’Incoronazione della Regina Elisabetta II.

Quando muore, rimangono incompiuti un “Concerto per violoncello”, l’opera “Thomas the Rhymere” la musica per un dramma natalizio (“The First Nowell”: viene completata dal suo collaboratore, Roy Douglas).

Nell’opera “The Pilgrim’s Progress”, cambia il nome dell’eroe (dal “Christian di John Bunyan a Pilgrim”) e musica l’Inno di Bunyan “Who would true valour see” usando come melodia “Monk’s Gate”, canzone popolare della regione del Sussex.

Per molti Cristiani inglesi praticanti, la più familiare tra le sue composizioni sarebbe “Sine nomine” (“Hymn tune” scritto per essere adattato al testo di “For All the Saints” (scritto dal vescovo William Walsham How).

Il brano, composto per musicare il “Discendi, Amor santo di Bianco da Siena” (1350 circa-1399) è intitolato “Down Ampney”, in onore del suo luogo di nascita.

Williams è anche incaricato come Tutor al Birkbeck College.

Negli Anni Cinquanta, Vaughan Williams supervisiona le registrazioni di tutte le sue sinfonie (tranne la “Nona”) dirette da Sir Adrian Boult con la “London Philharmonic Orchestra” (Decca).

Alla fine delle sessioni di registrazione della “Sesta”, Vaughan Williams tiene un breve discorso, ringraziando Boult e gli orchestrali “con tutto il cuore” per la loro esibizione e, tale discorso è incluso dalla Decca nell’LP.

Vaughan Williams muore la notte precedente l’inizio delle sessioni relative alla “Nona Sinfonia” (per la Everest Records), sempre con Boult; morte che impone al Direttore di annunciare ai musicisti che la loro esecuzione sarebbe un tributo postumo all’immagine del compositore.
Tutte queste registrazioni, compresi gli interventi del compositore e di Boult sono state ripubblicate dalla Decca su CD.

Vaughan Williams è una figura importante nella musica britannica per via dell’amicizia che stringe con molti Compositori e Direttori d’Orchestra più giovani di lui e per merito della sua lunga carriera come insegnante e docente universitario.
I suoi scritti sulla Musica rimangono sempre dei documenti stimolanti, in particolare il suo appello affinché ogni persona sappia comporre la “propria” musica, a prescindere dal livello qualitativo e dalla complessità.

Vaughan Williams è sepolto nell’Abbazia di Westminster.

Matrimoni:

Ralph Vaughan Williams contrae due matrimoni:

. La sua prima moglie è Adeline Fisher (figlia dello storico Herbert William Fisher), sposata nel 1896.

Adeline è cugina di Ruth Fisher de Ropp, la madre di Robert S de Ropp, e il padre di Robert, un nobile europeo che perde le proprie ricchezze, non è in grado di pagare gli studi universitari del figlio.
Quindi, Ralph e Adeline Vaughan Williams si addossano la spesa: Robert studia Biologia al “Royal College of Science”, dove consegue il PhD.
Successivamente, ottiene successo come ricercatore e scrive anche dei libri sul potenziale umano, tuttora conosciuti e apprezzati.
Adeline Fisher Vaughan Williams muore nel 1951, dopo anni di sofferenze dovute ad un’artrite paralizzante.

1938: Vaughan Williams intrattiene una relazione con Ursula Wood (poetessa già sposata, minore di trentanove anni del musicista).
1938: muore il primo marito di Ursula, la quale diventa assistente personale e consigliera letteraria di Ralph, dopodiché si trasferisce nella casa del compositore (nel Surrey).
La moglie Adeline sembra accettare la relazione fra il marito e Ursula e, da quando si ammala, fino alla morte (avvenuta nel 1951), la stessa Ursula si prende cura di lei.

Ursula Wood scrive il libretto per il lavoro corale “The Sons of Light”, e contribuisce alla stesura di quelli de “The Pilgrim’s Progress” e “Hodie”.

Ursula e Ralph Vaughan Williams si sposano nel 1953 e si trasferiscono a Londra, rimanendo nel loro appartamento a Hanover Terrace nº 10 fino alla morte di Ralph (nel 1958).

1964: la Wood pubblica “RVW: A Biography of Ralph Vaughan Williams” e ricopre la carica di presidentessa onoraria della “Ralph Vaughan Williams Society” fino alla morte avvenuta nel 2007.

Stile:

Anche la musica di Vaughan Williams è descritta come tipicamente inglese, oltre a quella di Gustav Holst, Frederick Delius, George Butterworth e William Walton.

lo stile di Vaughan Williams esprime apprezzamento e interesse verso le melodie popolari ma, nel contempo, la sua musica evidenzia, in maniera molto velata e sottile, il sentimento patriottico nei confronti della terra nativa, originato dal gusto per i vecchi paesaggi e per l’intensa reazione sensibile che essi richiamano alla mente degli studiosi.

A volte, i suoi primi lavori sono influenzati da Ravel, suo Maestro per tre mesi, a Parigi (nel 1908), però Ravel definisce Vaughan Williams “l’unico dei suoi alunni che non componga musica uguale a quella del Maestro”.

Composizioni: di seguito un catalogo delle opere:

Opere liriche:

. Hugh the Drover or Love in the Stocks (1910–20). Ballad opera romantica. Libretto: Harold Child
. Sir John in Love (1924–28), dal quale deriva un arrangiamento della Fantasia on “Greensleeves” di Ralph Greaves
. The Poisoned Kiss (1927–29); rivisto nel 1936–37 e nel 1956–57). Libretto: Evelyn Sharp (in seguito modificato da Ursula Vaughan Williams)
. Riders to the Sea (1925–32), dall’omonimo dramma di John Millington Synge
. The Pilgrim’s Progress (1909–51), basata sull’allegoria di John Bunyan
. The Shepherds of the Delectable Mountains (1921). Libretto: Ralph Vaughan Williams (da John Bunyan) (In seguito incorporata, tranne la sezione finale, inThe Pilgrim’s Progress)

Musica di scena:

. The Wasps (1909; per Le vespe di Aristofane; più conosciuta per la suite orchestrale che ne è stata tratta)
. The Bacchae (1911; per Le Baccanti di Euripide)
. The Death of Tintagiles (1913; per il dramma omonimo di Maurice Maeterlinck del 1894)

Balletti:

. Old King Cole (1923)
. On Christmas Night (1926)
. Job: A Masque for Dancing (1930, Norfolk & Norwich Festival)
. The Running Set (1933)
. The Bridal Day (1938–39)

Lavori orchestrali:

Sinfonie:

A Sea Symphony (sinfonia no. 1), una sinfonia corale su testi di Whitman (1903–1909)
A London Symphony (sinfonia no. 2) (1913)
A Pastoral Symphony (sinfonia no. 3) (1921)
Sinfonia n. 4 in fa minore (1931–34)
Sinfonia n. 5 in re maggiore (1938–43)
Sinfonia n. 6 in mi minore (1944–47, rivista nel 1950)
Sinfonia antartica (Sinfonia no. 7) (1949–52) (parzialmente basata sulla musica da lui composta per il film La tragedia del capitano Scott)
Sinfonia n. 8 in re minore (1953–55)
Sinfonia n. 9 in mi minore(1956–57)
Heroic Elegy and Triumphal Epilogue (1900)
In the Fen Country, per orchestra (1909) nella Queen’s Hall di Londra diretta da Thomas Beecham
Norfolk Rhapsody No. 1 (1906, rev. 1914))[21]
The Wasps, suite (1909; vedi musica di scena sopra)
Fantasia su un tema di Thomas Tallis (1910, rivista nel 1913 e nel 1919)
March: Sea Songs (1923), arrangiata per orchestra nel 1924 dal compositore stesso
Prelude and Fugue in C minor (1930)
The Running Set (1933)
Fantasia on “Greensleeves” (1934)[22]
Two Hymn Tune Preludes (1936)
Partita for Strings (1938)
Five Variants of Dives and Lazarus (1939)
Household Music (1940)
Concerto Grosso, per tre sezioni di archi richiedenti diversi livelli di preparazione tecnica (1950)
Prelude on an Old Carol Tune (1952)
Flourish for Glorious John (1957)

Concerti :

Violino:

The Lark Ascending per violino o orchestra (1914)
Concerto Accademico per violino and orchestra (1924–25)

Viola:

Flos Campi per viola, coro senza parole e piccola orchestra (1925)
Suite per viola e piccola orchestra (1934)
Romanza per viola e piano (1925–1934 circa)

Pianoforte:

Concerto per pianoforte in do maggiore (1926–31)
Concerto per due pianoforti e orchestra (1946; rielaborazione del precedente concerto per pianoforte)
Concerto per oboe in la minore, per oboe e archi (1944)
Fantasia (quasi variazione) on the Old 104th Psalm Tune per pianoforte, coro e orchestra (1949)
Romanza in re maggiore per armonica e orchestra (1951) (scritta per Larry Adler)
Concerto per tuba in fa minore (1954)

Lavori corali:

The Garden of Proserpine, cantata per soprano, coro e orchestra, adattamento di Algernon Swinburne (1899)[23]
A Cambridge Mass, Missa brevis per coro SATB, doppio coro e orchestra (1899); Esercizio per il dottorato, eseguito per la prima volta il 3 marzo 2011.[24][25][26][27]
Toward the Unknown Region, canzone per coro e orchestra, da Walt Whitman (1906)
Five Mystical Songs per baritono, coro e orchestra, da George Herbert (1911)
Fantasia on Christmas Carols per baritono, coro e orchestra (1912); arrangiato anche per orchestra ridotta e organo, archi e percussioni)
Messa in sol minore per coro a cappella (1922)
Sancta Civitas (The Holy City) oratorio, con testo tratto principalmente dal Libro della Rivelazione (1923–25)
Te Deum in sol maggiore (1928)
Benedicite per soprano, coro e orchestra (1929)
In Windsor Forest, adattato dall’opera Sir John in Love (1929)
Three Choral Hymns (1929)
Magnificat per contralto, coro femminile, e orchestra (1932)
Five Tudor Portraits per contralto, baritono, coro e orchestra (1935)
Dona nobis pacem, testo di Walt Whitman e altri (1936)
Festival Te Deum per coro e orchestra (o organo, in alternativa a quest’ultima) (1937)
Serenade to Music per sedici solisti e orchestra, da Il mercante di Venezia di William Shakespeare, dedicata a Sir Henry Joseph Wood e scritta in occasione del suo giublieo (1938)
Six Choral Songs To Be Sung In Time Of War (1940)
A Song of Thanksgiving (in origine Thanksgiving for Victory) per narratore, soprano solo, coro di voci bianche, coro misto, e orchestra (1944)
An Oxford Elegy per narratore, coro misto e piccola orchestra (1949)
Three Shakespeare Songs per coro SATB a cappella, composto per il The British Federation of Music Festivals National Competitive Festival (1951)
O Taste and See, una versione in chiave mottettistica del salmo 34:8. La versione originale (per coro SATB) venne composta per l’incoronazione di Elisabetta II, nel 1953
Hodie, Cantata natalizia (1954)
Folk songs of the Four Seasons Cantata per voci femminili accompagnate da pianoforte o orchestra (1950).
Epithalamion per baritono solo, coro, flauto, piano e archi (1957)
A Choral Flourish per coro SATB a cappella, composto per un grande evento corale tenutosi nella Royal Albert Hall in onore di Alan Kirby (c. 1952)
O How Amiable (1934) Arrangiamento di un inno per coro e organo, in origine scritto per l’Abinger Pageant

Arrangiamenti di inni cristiani:

Vaughan Williams fu il curatore musicale dell’ “English Hymnal” (1906), e il coeditore (assieme a Martin Shaw) delle “Songs of Praise” (1925) e dell’ “Oxford Book of Carols” (1928). Queste ultime due raccolte furono stampate con la collaborazione di Percy Dearmer.
. A Hymn of Glory Let Us Sing
. All Creatures of Our God and King
. Alleluia, Sing to Jesus.
. Amid the Thronging Worshippers
. At the Name of Jesus
. “Come Down, O Love Divine” testo dell’inno di Bianco da Siena (“Discendi, Amor santo” del 1434).
Il brano è intitolato “Down Ampney”, in onore del luogo di nascita di Vaughan Williams
. Come, Let Us with Our Lord Arise inno pasquale
. Come Thou Long Expected Jesus carola per il periodo dell’Avvento
. For All the Saints armonizzato da “Sine Nomine”
. God Be With You Till We Meet Again
. I Love You Lord, My Strength, My Rock
. I Sing the Mighty Power of God
. Jesus, Lord, Redeemer.
“Let All Mortal Flesh Keep Silence”, testo dall’inno cherubinico della Liturgia di San Giacomo, armonizzato sulla melodia della canzone popolare francese Jésus-Christ s’habille en pauvre, conosciuta nei paesi anglosassoni come Picardy (1906)
. Make Room Within My Heart, O God
. My God, My God, O Why Have You Forsaken Me? un lamento per i servizi del Venerdì Santo, durante il Tempo di Passione
. O Come to Me, the Master Said
. “O Little Town of Bethlehem” celebre canto natalizio con testo dell’americano Phillips Brooks e musica dal tune inglese “Forest Green”
. O Sing a Song of Bethlehem
. On Christmas Night All Christians Sing
. When the Church of Jesus

Musica Vocale:

. “Linden Lea”, canzone (1901)
. The House of Life, sei sonetti di Dante Gabriel Rossetti, messi in musica nel 1904
. Songs of Travel (1904)
. “The Sky Above The Roof” (1908)
. On Wenlock Edge, ciclo di canzoni per tenore, pianoforte e quartetto d’archi (1909)
. Along the Field, for tenor and violin
. Three Poems by Walt Whitman per baritono e pianoforte (1920)
. Four Poems by Fredegond Shove: per baritono e pianoforte (1922)
. Four Hymns: per tenore, viola in obbligato e pianoforte (1914)
. Merciless Beauty per tenore, due violini e violoncello
. Four Last Songs da lavori poetici di Ursula Vaughan Williams
. Ten Blake songs, ciclo di canzoni per voce acuta e oboe (1957)

Musica da camera e strumentale:

. Quartetto d’archi in do minore (1897) (una tra le prime composizioni)
. Quartetto d’archi no. 1 in sol minore (1908)
. Quartetto per archi n. 2 in la minore (“per Jean, in occasione del suo compleanno” 1942–44)
. Phantasy Quintet per 2 violini, 2 viole e violoncello (1912)
. Quintetto con pianoforte in do minore per violino, viola, violoncello, contrabbasso e pianoforte (1903)
. Sonata in la minore per violino e pianoforte (1952)
. Romanza per viola e pianoforte (anno di composizione non conosciuto)
. Six Studies in English Folk Song, per violoncello e pianoforte (1926)
. Romanza per armonica con archi e pianoforte (1952)

Lavori per organo:

. Three Preludes on Welsh Hymn Tunes (in italiano: Tre preludi su temi gallesi, ovvero Bryn Calfaria, Rhosymedre, Hyfrydol) (1920)
. Preludio e fuga in do minore (1921)
. A Wedding Tune for Ann (1943)
. The Old One Hundredth Psalm Tune, armonizzazione e arrangiamento per l’incoronazione di Elisabetta II d’Inghilterra (1953)
. Two Organ Preludes (The White Rock, St. David’s Day) (1956)

Film, radio, e colonne sonore per la TV:

. Gli invasori – 49º parallelo (49th Parallel), 1940, il suo primo lavoro per il grande schermo.
. Coastal Command, 1942
. Adattamento di The Pilgrim’s Progress per la BBC, 1942
. The People’s Land, 1943
. The Story of a Flemish Farm, 1943
. Stricken Peninsula, 1945
. The Loves of Joanna Godden, 1946
. La tragedia del capitano Scott, 1948, in parte reimpiegata nella Sinfonia antartica (sinfonia no. 7)
. The England of Elizabeth
. Bitter Springs, 1950

Banda di fiati:

. Rhosymedre (basato su un tune popolare gallese per organo) per banda da concerto (1920)
. English Folk Song Suite per banda militare (1923)
. Sea Songs (1923)
. Toccata Marziale per banda militare (1924)
. Overture: Henry V per brassband (1933/34)
. Flourish for Wind Band (1939)
. Prelude on Three Welsh Hymn Tunes arrangiato per brassband nel 1955 dall’omonimo brano per organo, e pubblicato da Salvationist Publishing and Supplies
. Variations per brass band (1957)

Registrazioni:

La musica di Vaughan Williams viene frequentemente eseguita e registrata.
Le prime incisioni di singole sinfonie, da parte di Henry Wood (Londra), John Barbirolli (per la quinta), Adrian Boult e Leopold Stokowski (entrambi per la sesta), e Vaughan Williams stesso (che diresse la quarta), sono state seguite da numerosi cicli completi. L’interpretazione di Stokowski della quarta sinfonia, trasmessa nel 1943 dalla NBC, è stata pubblicata anche su CD.
Lo stesso vale per l’ottava, da lui diretta ai Proms del 1964 con la BBC Symphony Orchestra. Sir Eugene Goossens registrò la versione del 1920 di A London Symphony con l’Orchestra Sinfonica di Cincinnati per la RCA Victor nel 1941.
Questa è l’unica incisione esistente di quella prima edizione della sinfonia. La Decca, nei primi anni cinquanta pubblicò le sinfonie dalla prima all’ottava, dirette da Boult, che poi si occupò dell’esecuzione della nona per la Everest label (1958); Boult le ri-registrò tutte e nove per la EMI (tra il 1967 e il 1972). Seguirono altri cicli completi, diretti da André Previn, Bernard Haitink, Bryden Thomson, Vernon Handley, Leonard Slatkin e Richard Hickox.
Anche direttori non inglesi hanno registrato singole sinfonie di Vaughan Williams: sia Dimitri Mitropoulos che Leonard Bernstein registrarono la quarta sinfonia con la New York Philharmonic (la stessa orchestra con la quale Stokowski incise, per la prima volta in assoluto nel 1949, la sesta).
Il lavoro in questione venne registrato anche dalla Utah Symphony nel 1966, sotto la bacchetta di Maurice Abravanel.
La quarta e la sesta vennero inoltre dirette e registrate da Paavo Berglund. In commerciò è disponibile il CD con la prima assoluta portoghese della nona sinfonia, con Pedro de Freitas Branco sul podio (per l’Orchestra Sinfonica Nazionale del Portogallo).
Lo stesso vale per la prima americana della nona, diretta da Stokowski alla Carnegie Hall (1958), e dedicata alla memoria del compositore. Venne pubblicata su CD dalla Cala Records.
Una prima edizione della quinta sinfonia, diretta da Vaughan Williams stesso nel 1952, è stata edita nel Regno Unito dalla Somm Recordings.
David Willcocks si è invece occupato della valorizzazione di buona parte della produzione corale (per la EMI negli anni sessanta e settanta). Seguono alcune performance (pluripremiate) dei quartetti d’archi per la Naxos Records, etichetta che insieme alla Hyperion e la Chandos ha contribuito a diffondere e far conoscere molto materiale inedito e trascurato (tra cui i lavori per brass band e le opere liriche, poco eseguite).
La EMI Classics ha pubblicato un cofanetto da 30 CD (più di 34 ore di durata), con quasi tutti i lavori di Vaughan Williams, dedicando spazio anche alle versioni alternative.

Onorificenze:

Membro dell’Ordine al Merito del Regno Unito – nastrino per uniforme ordinaria Membro dell’Ordine al Merito del Regno Unito
— 3 giugno 1935

Battuto al computer da Lauretta

Raph Vaughan Williams con la moglie Adeline (1917):

https://it.wikipedia.org/wiki/File:Ralph_Vaughan_Williams_1917_with_Adeline.png

Antonio Lucio Vivaldi nasce a Venezia il 4 marzo 1678 e muore a Vienna il 28 luglio 1741.

E’ un compositore e violinista italiano, uno dei maggiori esponenti del “Barocco” musicale.
E’ sacerdote, ma non può celebrare la messa per motivi di salute.

E’ uno dei violinisti e uno dei più grandi compositori di musica barocca, influente, originale e importante della sua epoca perché contribuisce in modo determinato allo sviluppo del Concerto (particolarmente “solistico”), della tecnica violinistica e orchestrativa, oltre ad influire su numerosi compositori contemporanei, fra cui Johann Sebastian Bach, Pisendel, Heinichen, Zelenka, Boismortier, Corrette, De Fesch, Quantz.

Il numero dei suoi lavori è vastissimo, ma le sue composizioni più note sono i “Quattro Concerti” per violino conosciuti come “Le quattro stagioni”.

Dopo la sua morte (come per altri musicisti barocchi) viene dimenticato ma, grazie alla ricerca di alcuni musicologi del XX secolo (Arnold Schering, Marc Pincherle, Alberto Gentili e Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero), i suoi lavori musicali lo fanno diventare uno dei compositori più noti ed eseguiti.

L’infanzia e la giovinezza di Antonio Vivaldi:

Non esistono molti documenti sulla vita di Antonio Lucio Vivaldi, ma si sa che nasce di venerdì, 4 marzo 1678, a Venezia, e viene battezzato in casa da Margarita Veronese, sua levatrice, poiché è in pericolo di vita.
Il Battesimo viene perfezionato attraverso la liturgia di rito il 6 maggio, nella Chiesa di San Giovanni in Bragora, non lontano da casa Vivaldi.

Il padre è Giovanni Battista Vivaldi ma, per molti anni, circolano voci sulla sua presunta illegittimità, mentre la madre è Camilla Calicchio, di origini materane.

Nel 1685, il padre barbiere-violinista accetta l’ingaggio prestigioso di violinista della Basilica di San Marco (a quel tempo, “Cappella privata del Doge” e non ancora “Sede Vescovile”), in cui si celebra solo in occasioni particolari, dopodiché, nello stesso anno ne diventa Maestro il famoso Giovanni Legrenzi.
Insieme al collega Antonio Lotti e a Giovanni Legrenzi, Giovanni Battista Vivaldi fonda il “Sovvegno dei musicisti di Santa Cecilia”, una confraternita di musicisti veneziani: a cui aggiunge l’impegno di insegnante di violino all’Ospedale dei Mendicanti a partire dal 1689.

Probabilmente, Antonio Vivaldi impara a suonare il violino dal padre, dimostrandosi prestissimo un grande talento.
Giovanissimo, è ammesso a frequentare i musicisti della “Cappella del Doge”, dalla cui frequenza trae vantaggio e dove, a poco a poco, sostituisce il padre.

La carriera ecclesiastica del giovane Vivaldi inizia il 18 settembre 1693, quando ha l’età minima della tonsura per mano del patriarca di Venezia, il futuro Cardinale Badoero.

Prosegue gli suoi studi presso la “Chiesa di San Geminiano” e la “Chiesa di San Giovanni in Oleo” e, come da regola, vive con la famiglia nella parrocchia di “San Giovanni Battista” in Bragora, non abbandonando la Musica.
Anzi la sua abilità con il violino lo impiega già nel 1696 come violinista in eccedenza, durante le funzioni natalizie presso la “Cappella della basilica di San Marco”, dove appare per la prima volta in pubblico; allo stesso tempo, appartiene al “Gruppo dell’Arte dei Sonadori”.

4 aprile 1699: riceve gli Ordini Minori del suddiaconato nella “Chiesa di S. Giovanni in Oleo” e, il 18 settembre 1700, il diaconato.

23 marzo 1703: viene ordinato sacerdote, continuando a vivere con la famiglia e a lavorare strettamente con il padre.
Viene soprannominato “Il Prete Rosso” per il colore dei suoi capelli, anche se nascosti dalla parrucca (che è di moda nel suo periodo storico).

Dal 1704 smette di celebrare la Messa, per motivi di salute: pare che sia affetto da una forma d’asma (“strettezza di petto”) di cui ha presentato i sintomi sin dalla nascita e per cui non gli è possibile compiere tutta la funzione sacra senza doversi assentare dall’altare.

Vivaldi presso il Pio Ospedale della Pietà:

E’ giovane, ma acquisisce fama molto presto e, dal 1º settembre 1703, è assunto come Maestro di Violino dalle Autorità del “Pio Ospedale della Pietà”, dove rimane sino al 1720.
Lo stipendio è di 60 ducati annui,

Tale “Pio Ospedale della Pietà” viene fondato nel 1346 ed è il più prestigioso dei quattro ospedali femminili di Venezia (gli altri tre sono l’ “Ospedale degli Incurabili”, l’ “Ospedale dei Mendicanti” e l’ “Ospedale dei Derelitti ai SS. Giovanni e Paolo”), dove vengono assistiti i bambini orfani o provenienti da famiglie molto povere, in cui imparano un mestiere e lasciano l’istituto all’età di 15 anni.
Le ragazze invece ricevono un’educazione musicale e quelle di maggior talento diventano membri dell’ospedale e, fra loro, esiste una gerarchia: dalle “figlie di coro”, alle più esperte dette “privilegiate di coro”, fino alle “maestre di coro” (loro insegnano).

Agosto 1704: lo stipendio di Vivaldi diventa di 100 ducati, in quanto subentra anche nella posizione di insegnante di “Viola all’inglese”.

1705: viene incaricato della composizione e dell’esecuzione dei Concerti, con un salario aumentato a 150 ducati annui a cui si aggiunge la remunerazione delle messe quotidiane dette “per la Pietà” o “per le ricche famiglie patrizie”.

Probabilmente, il giovane Vivaldi, Maestro di Violino, comincia la sua carriera di compositore e si fa notare per le sue prime opere diffuse a mezzo manoscritto, mentre è sempre più rinomato.

Pur non essendo quasi mai sottoposto al voto del Consiglio Direttivo dell’Ospedale, nel 1709 perde il posto di lavoro per 7 voti contro 6 a favore, per cui, per un anno, esercita la libera professione di Musicista.
Però, dopo aver esercitato tale libera professione per oltre un anno, viene riassunto nel 1711 alla “Pietà”, sempre a seguito di una votazione, dal momento che la Direzione ha capito bene l’importanza del Vivaldi all’interno della Scuola.

1713: diventa il responsabile per l’attività musicale dell’istituto.

1716: è “Maestro de’ Concerti”.

Non si sa bene, ma pare che Vivaldi continui ad aprovvigionare “La Pietà” di concerti e composizioni varie durante tutta la sua vita, anche in forma privata.

1705: pubblicazione della sua prima raccolta di musiche, “Opus 1”, una collezione di dodici sonate a tre dedicata al nobile veneto Annibale Gambara, ancora in uno stile neocorelliano.

1708: pubblicazione della sua seconda raccolta di 12 sonate per violino e basso continuo (“Opus 2”), ma la rinomanza a livello internazionale la raggiunge con la sua prima collezione di 12 concerti per uno, due e quattro violini con archi, “L’estro armonico” (“Opus 3”), che viene data alle stampe ad Amsterdam.

1711: Etienne Roger è un editore all’avanguardia con le nuove tecniche di stampa rispetto agli editori veneziani Sala e Bortoli, per cui Vivaldi raggiunge la rinomanza a livello internazionale con la sua prima collezione di “12 concerti per uno, due e quattro violini con archi”, “L’estro armonico” (“Opus 3”: viene data alle stampe ad Amsterdam).
La sua uscita è pubblicizzata con un annuncio sul “The Post Man” di Londra.
Questi concerti sortiscono successo in tutta Europa e, nel 1714, sono seguiti da “La stravaganza” (“Opus 4”: raccolta di concerti per solo violino e archi).

Febbraio 1711: Vivaldi, accompagnato dal padre, si reca a Brescia, dove consegna il suo “Stabat Mater RV 621” al committente, la “Congregazione dell’Oratorio di S. Filippo Neri”.

1718: inizio di un periodo di frequenti spostamenti, anche se non pare aver mai rotto i legami con “La Pietà”.

Tra il 1723 e il 1729: dagli atti registrati, viene constatato che viene pagato per comporre almeno 140 concerti.

Impresario d’opera al Teatro Sant’Angelo:

Venezia della prima metà del XVIII secolo: l’opera è l’intrattenimento musicale più popolare e più redditizio per i compositori.
Parecchi teatri si fanno concorrenza.
Quello creduto il primo lavoro teatrale di Vivaldi, “Ottone in villa” (RV 729 ), viene rappresentato al “Teatro delle Grazie” di Vicenza, nel maggio del 1713.

1705: sembra che l’esordio operistico di Vivaldi avvenga in questo anno. Anno in cui Vivaldi completa “Creso tolto alle fiamme” (RV Anh. 138) di Girolamo Polani per il “Teatro Sant’Angelo di Venezia”.

1714: diventa sia impresario, sia direttore delle musiche presso tale teatro, dove allestisce la sua terza opera, l’ “Orlando finto pazzo” (RV 727).
Non riscuote il successo sperato e, per “salvare” la stagione, Vivaldi-impresario riallestisce, (ritoccando e aggiungendo di sua mano, l’ “Orlando” di Giovanni Alberto Ristori, già presentato l’anno precedente.

1715: rappresenta un pasticcio, il “Nerone fatto Cesare” (RV 724, perduto), con le musiche di vari compositori e 11 arie dello stesso Vivaldi.

1716: rappresentazione di “Arsilda, regina di Ponto” (RV 700), sicuramente un sucesso, dal momento che, per l’opera seguente (“L’incoronazione di Dario”, RV 719), vengono proposte delle repliche con lo stesso, giovanissimo cast (in primis le future stelle Annibale Pio Fabri, Anna Vicenza Dotti e Maria Teresa Cotte [o Cotti]).
Lo stesso anno fu rappresentata “La costanza trionfante degli amori e degl’odii” (RV 706), nel piccolo Teatro “San Moisè”.

In questo periodo, “La Pietà” gli commissiona diversi lavori liturgici di cui i più importanti sono due oratorî: il primo, “Moyses Deus Pharaonis” (RV 643), risulta sfortunatamente perduto e il secondo, “Juditha triumphans devicta Holofernis barbarie” (RV 644); quest’ultimo è composto nel 1716, ed è uno dei lavori sacri più noti di Vivaldi.
Fu commissionato per celebrare la vittoria della Repubblica di Venezia contro i Turchi e la riconquista dell’isola di Corfù.
Tutte le undici parti, sia maschili che femminili, furono interpretate dalle ragazze de “La Pietà” e molte arie comprendono parti per strumenti solisti come flauti dolci, oboi, clarinetti, viola d’amore, mandolini, che servono per mettere in evidenza il talento delle ragazze anche in strumenti particolarmente rari e di non facile reperibilità per l’epoca.

Gli anni della maturità:

1718: Vivaldi diventa Maestro di Cappella da Camera alla Corte del Principe Filippo d’Assia-Darmstadt, governatore di Mantova e noto appassionato di musica per cui si trasferìsce in tale città dove rimane per circa tre anni.

1720-1721: compone tre opere tra le quali “Tito Manlio” (RV 738) e varie cantate e serenate. Successivamente, va a Milano, dove presenta (nel 1721) il suo dramma pastorale “La Silvia” (RV 734) e nel 1722 l’oratorio “L’adorazione delli tre Re Magi al bambino Gesù” (RV 645, perduto).
Sempre nel 1722: il compositore veneziano si reca a Roma, invitato da Papa Benedetto XIII a suonare per lui.
1725: torna a Venezia, dove nello stesso anno produce quattro lavori teatrali.

In questo periodo, scrive “Le quattro stagioni”, “Quattro concerti per violino” che rappresentano le scene della natura in musica e pubblica come i primi quattro concerti di una raccolta di dodici “Il cimento dell’armonia e dell’inventione” (Opus 8): è pubblicata ad Amsterdam, nel 1725, da Michel-Charles Le Cène, succeduto ad Estienne Roger nell’attività editoriale.

Tra il 1723 e il 1740: Vivaldi allestisce almeno 15 rappresentazioni operistiche con la partecipazione di Anna Girò (sua allieva e protetta che diventerà una famosa cantante lirica).
Secondo alcuni, si ipotizza una possibile relazione amorosa tra i due, relazione che, al momento, non risulta certa da alcuna documentazione storica.

Gli ultimi anni e la morte:

Arrivato all’apice della sua carriera, Vivaldi riceve numerose commissioni dalle famiglie nobiliari e reali europee.
“La serenata, La Gloria, Imeneo” (RV 687) è composta per il matrimonio di Luigi XV.
L’ “Opus 9”, “La cetra”, è dedicata all’Imperatore Carlo VI.
1728: Vivaldi ‘incontra l’Imperatore in persona, arrivato a Trieste per supervisionare la costruzione di un nuovo porto.
Carlo VI ammira la sua musica che – in due anni – lo farà intrattenere più a lungo con il compositore e non con i suoi ministri.
A Vivaldi egli conferisce il titolo di Cavaliere, attribuisce una medaglia d’oro e lo invita a Corte a Vienna, per cui il musicista gli presenta una presunta copia del manoscritto de “La cetra”.
SI tratta di una raccolta di Concerti quasi completamente differente da quella pubblicata con lo stesso titolo, come Opus 9: probabilmente un ritardo di stampa aveva costretto Vivaldi a confezionare alla meglio una collezione improvvisata di concerti.

1730: va a Vienna e a Praga assieme a suo padre, dove rappresenta tra le altre, la sua opera “Farnace” (RV 711).
In questo periodo, incontra due dei maggiori librettisti italiani dell’epoca: “L’Olimpiade” e “Catone in Utica” sono su libretto dell’affermato Pietro Metastasio, nel 1730, diventato Poeta Cesareo alla Corte di Vienna.
Il libretto della “Griselda” è del giovane Carlo Goldoni, tratto da un vecchio libretto del predecessore di Metastasio, Apostolo Zeno.

La vita di molti compositori della sua epoca si conclude sventuratamente sotto l’aspetto umano ed economico: così è anche per lui perché le sue composizioni, a Venezia, non sono più molto apprezzate: ciò è dovuto ai cambiamenti veloci dei gusti musicali che, con l’affermazione dell’Opera Napoletana, lo considerano fuori moda, per cui decide di trasferirsi a Vienna, dove è stato invitato da Carlo VI d’Asburgo e dove, forse, spera di occupare qualche posizione ufficiale a Corte e di rappresentare alcune sue opere al “Kärntnertortheater”.

Per finanziare Il suo trasferimento Vivaldi lo concretizza a mezzo della svendita di parecchi manoscritti.

Tale trasferimento a Vienna e il lasciare per sempre l’Italia è a causa anche di uno spiacevole episodio del 1737 che lo segna ma, poco dopo il suo arrivo a Vienna, nell’ottobre del 1740, Carlo VI muore.

Succede la Guerra di Successione Austriaca che costringe la figlia (la futura imperatrice Maria Teresa d’Austria), a fuggire in Ungheria.

Tutti i teatri viennesi vengono chiusi immediatamente sino all’anno seguente, per cui Vivaldi rimane senza protezione imperiale e senza fonti di reddito ed essendo troppo malato e troppo povero, resta a Vienna dove, per tirare avanti, svende altri suoi manoscritti, fino alla notte tra il 27 e il 28 luglio 1741 in cui muore di infezione intestinale (o forse anche a causa dell’asma bronchiale di cui soffre fin dalla nascita) nell’appartamento affittato presso la vedova Maria Agate Wahlerin.

Il 28 luglio, Vivaldi viene sepolto in una fossa comune allo “Spitaller Gottsacker” di Vienna, con un funerale semplice detto “dei poveri”.
Il luogo della sepoltura si trova a fianco della “Karlskirche”; il cimitero non esiste più, ma presenziano targhe in sua memoria come anche una “Vivaldi star” nella “Musikmeile” viennese, un monumento nella Rooseveltsplatz e un memoriale nella Karlsplatz.

La sua musica cade nell’oblio e ci rimane fino a quasi la metà del XX secolo, quando la figura di Vivaldi torna ad “imporsi” nella storia della Musica Europea.

Vivaldi: influenze nella cultura popolare e generale:

La riscoperta della musica di Vivaldi e la creazione dei fondi Foà e Giordano sono portati a conoscenza del pubblico a mezzo del romanzo “L’affare Vivaldi” di Federico Maria Sardelli (2015), musicista, direttore d’orchestra ed esperto del compositore veneziano.

Vivaldi appare fra i personaggi del romanzo “Stabat Mater” di Tiziano Scarpa la cui protagonista è Cecilia, violinista orfana cresciuta ed educata presso l’ “Ospitale di Pietà” dove è accertato che Vivaldi abbia lavorato e diretto.

“Il respiro degli angeli” è un romanzo di Emanuela Fontana (Mondadori, 2021) che narra l’intera vita di Vivaldi, dall’infanzia a Venezia fino agli ultimi mesi a Vienna.

A Vivaldi è intitolato il cratere Vivaldi su Mercurio.

Cinema:

Cinematograficamente, Vivaldi è personaggio principale in “Rosso veneziano”, film “giallo” francese del 1989 diretto da Étienne Périer, il cui protagonista è il giovane Carlo Goldoni interpretato dall’attore polacco Wojciech Pszoniak.

2006: il film “Antonio Vivaldi, un prince à Venise”, è di produzione franco-italiana, è diretto da Jean-Louis Guillermou ed è interpretato da Stefano Dionisi, nei panni di Vivaldi, Michel Serrault, nel ruolo del vescovo di Venezia, Christian Vadim, nel ruolo di Carlo Goldoni, e Michel Galabru, nel ruolo del papa Benedetto XIII.

Sembra che un ulteriore film sul musicista veneziano sia in preparazione con il titolo provvisorio “Vivaldi”: sarebbe prodotto da Boris Damast, con Max Irons, figlio dell’attore Jeremy Irons, nelle vesti del musicista; inoltre, nel cast si vedono le partecipazioni di Malcolm McDowell, Jacqueline Bisset e Gérard Depardieu.

Battuto al computer da Lauretta 

Il celeberrimo ritratto a Vivaldi del 1723 circa:
https://it.wikipedia.org/wiki/File:Vivaldi.jpg

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LE STAGIONI, “LA PRIMAVERA”:

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LE STAGIONI, “L’ESTATE”: https://youtu.be/IJDnj2O9yqY

Bedřich Smetana nasce a Litomyšl il 2 marzo 1824 e muore a Praga, 12 maggio 1884.

E’ un compositore ceco.

È conosciutissimo per il suo poema sinfonico “Vltava” (“La Moldava”).
E’ il secondo lavoro compreso in un ciclo di sei il cui titolo è “Má vlast” (“La mia patria”: 1874-1879), e per la sua opera “La sposa venduta” (del 1866), particolarmente ricca di motivi cechi.

Sin da piccolo, studia autodidatticamente Pianoforte e Violino.
Il padre gli dà la prima formazione musicale.
Il padre – nell’ambito familiare – ha già creato un quartetto d’archi dilettante, oltre a ricevere inegnamenti anche da due Maestri a Plzeň.
Studia con il Maestro Josef Proksch, al Conservatorio di Praga, il quale provvede a fargli avere alcuni lavori a Corte, generalmente di tipo didattico.

1848: fonda una Scuola di Musica sostenuta anche da Liszt.

Scrive la sua Prima Sinfonia Nazionalista per i Moti Insurrezionali del 1848, a Praga che, in quel tempo, è parte dell’Impero Austriaco, a cui partecipa brevemente.

1856: suo trasferimento a Göteborg, in Svezia.
Là, dirige la “Società Filarmonica” e inizia a comporre, intraprendendo varie tournées in Europa, ottenendo molto successo, accompagnato dalla prima moglie, la pianista Katarina Kolár; in seguito, sarà accompagnato dalla seconda moglie, Ferdinandi, dopo la morte di Katarina, nel 1859.

1861: Smetana torna a Praga qando la situazione sociale e politica si è sistemata, a seguito dei moti rivoluzionari del 1848 (la famosa “Primavera dei Popoli”), dove apre un nuovo Istituto Musicale, la “Società Filarmonica Hlahol”, che promuove la musica ceca.

Inoltre, Smetana è Critico Musicale e, dal 1866, è il Direttore d’Orchestra nel “Teatro Nazionale” di Praga, in cui le sue opere teatrali vengono rappresentate.

1874-1875: a Smetana, si manifesta una sordità sempre più grave (sente una nota acuta nella testa: cosa che, poi, scrive nel “Quartetto n.1 “Dalla mia vita”) che lo obbliga a dimettersi e a trasferirsi nel villaggio di Jabkenice.
Negli ultimi anni della malattia, compone:

. Il ciclo sinfonico “La mia Patria”, fra il 1874 e il 1879, composto di sei poemi sinfonici: Vyšehrad, Vltava, Šárka, Dai prati e dai boschi di Boemia, Tábor, Blaník

. la Polka “La contadinella” e “Il carnevale di Praga”

. Due pezzi per Violino e Pianoforte, intitolati “Dal mio paese”

. Lieder per voce e pianoforte, facenti parte del ciclo “Canti della sera”

Pur con problemi di salute, Smetana continua a comporre fino alla morte, avvenuta nel 1884, in un ospedale psichiatrico di Praga.
Viene sepolto a Praga, nel Cimitero di Vyšehrad.
Praga gli rende onore per mezzo di un monumento vicino al fiume Moldava-“Ponte Carlo”.

Smetana: lascito culturale:

1884-1892: Josef Foerster si distingue come Direttore Musicale della “National Leaf” e s’impone, come suo impegno, promuovere le opere di Smetana.

E’ importante evidenziare che Smetana pone le basi di un linguaggio musicale di carattere nazionale che, con richiami a modelli stranieri (in particolare a Hector Berlioz e a Franz Liszt), valorizza il patrimonio culturale etnico della Boemia (miti, danze, canzoni), portando la sua nazione ad un ruolo di primo piano nella musica europea del secondo XIX secolo.

Influenza grandemente Antonín Dvořák, il quale – idem – usa temi cechi, nelle sue opere, e su molti compositori posteriori, come Arnold Schönberg.

La “Primavera di Praga”, Festival di Musica Classica, si apre ogni anno il 12 maggio, Anniversario della sua morte, con un’esecuzione della “Moldava”.

Composizioni: Poema Sinfonico

• La Moldava

Opere liriche:

B T Titolo SubN. atti Libretto Data composizione Data primio Teatro
124 90 I brandeburghesi in Boemia (Braniboři v Čechách) 3 Karel Sabina 1862–1863 5 gennaio 1866 Teatro Provvisorio
143 93 La sposa venduta (Prodaná nevěsta) 3 Karel Sabina 1863–1866, revis. 1869 e 1870 30 maggio 1866 Teatro Provvisorio
133 96 Dalibor 3 Josef Wenzig 1865–1867, revis. 1870 16 maggio 1868 Teatro Nuovo
109 Le due vedove (Dvě vdovy) 2 Emanuel Züngel 1873–1874, revis. 1877 27 marzo 1874 Teatro Provvisorio
115 Il bacio (Hubička) 2 Eliška Krásnohorská 1875–1876 7 novembre 1876 Teatro Provvisorio
118 Il Segreto (Tajemství) 3 Eliška Krásnohorská 1877–1878 18 settembre 1878 Teatro Nuovo
107 Libuše 3 Josef Wenzig 1869–1872 11 giugno 1881 Teatro Nuovo
129 Il muro del diavolo (Čertova stěna) 3 Eliška Krásnohorská 1879–1882 29 ottobre 1882 Teatro Nuovo
133 Viola Eliška Krásnohorská 1874, 1883–1884 (frammenti) 11 maggio 1924 Teatro Nuovo

Musica per orchestra:

. Minuetto (1842)
. Bayadere Galop (1842)
. Festive Ouverture, op.4 (1848-1849)
. Festive Symphony, op.6 (1853-1854)
. Riccardo III, op.11, poema sinfonico (1857-1858)
. Doktor Faust, ouverture per una commedia di marionette (1862)
. Alle nostre ragazze (Našim děvám), Polka (1862)
. Marcia solenne per le celebrazioni di Shakespeare, op.20 (1864)
. Preludio Solenne in occasione della posa della prima pietra per il Teatro Nazionale (1868)
. La mia patria, poemi sinfonici (1874-1879)

Musica da camera:

.Trio per pianoforte, op.15 (1855)
. Quartetto per archi n.1 (Dalla mia vita) (1876)
. Quartetto per archi n.2 (1882-1883)
. Musiche per pianoforte
. Galop
. Galoppo di bravura (1840)
. Louisine Polka (1840) (trascritta anche per orchestra)
. Georgine Polka (1840) (trascritta anche per orchestra)
. Souvenir di Pilsen, polka (1843-1844)

Bagatelle e Improvvisi (1844):

. Innocenza
. Sconforto

. Idillio
. Brama
. Felicità
. Fiaba
. Amore
. Lite
. 5 Valzer (1844)
. La marcia dei soldati (1845)
. Sonata per pianoforte (1846)
. Sei preludi (1846)
. Morceau caractéristique (1847-1848)
. La Marcia della Legione Studentesca di Praga (1848)

. Scene di matrimonio (1849):

. Marcia Nuziale
. La sposa e sposo
. Danza
. Allegro capriccioso (1849)

. Sei pezzi d’album (1849-1850):

. Allegro – Prélude
. Moderato – Chanson
. Vivace
. Allegro Comodo
. Moderato con Anima
. Andante ma non troppo

. Studio da Concerto (1858-1859):

. Souvenir di Boemia in forma di polka, op.12 (1859-1860)
. In riva al mare, studio da concerto (1861)
. Fantasia su canti popolari cechi (1862)
. Quattro Dance Ceche (1877)
. Bettina Polka (1883)

. Cori e canzoni :

. Jesu meine Freude (1846)
. Scapulis suis obumbrabit tibi dominus (1846)
. Medtabitur in mandatis tuis (1846)
. Canzoni serali, op. 124 (Večerní písně, 1879, dall’omonima raccolta di Vítězslav Hálek)
. Kdo v zlaté struny zahrát zná
. Nekamenujte proroky!
. Mně zdálo se
. Hej, jaká radost v kole
. Z svých písní trůn ti udělám

Battuto al computer da Lauretta

Bedřich Smetana:

https://it.wikipedia.org/wiki/File:Bedrich_Smetana.jpg

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HERBERT von KARAJAN dirige “LA MOLDAVA”:

Franz Peter Schubert nasce a Vienna il 31 gennaio 1797 e muore a Vienna il 19 novembre 1828.

E’ un compositore austriaco del periodo romantico.

Schubert è vissuto appena trentun’anni, ma ha lasciato tantissime composizioni, molte delle quali pubblicate postume.
In vita, è apprezzato particolarmente per i suoi lieder, per cui è considerato l’indubbio Maestro, però l’interesse per la sua musica gli viene da pochi amici e estimatori viennesi.

Inoltre, scrive molta Musica da Camera, per Pianoforte, Musica Sacra, Musiche di Scena e, specialmente, undici Snfonie (tre di queste sono incompiute), rimaste sconosciute anche per parecchi anni, dopo la sua morte.

In seguito, l’attrazione per i suoi lavori cresce per merito di Liszt, Schumann e Brahms che li scoprono e divulgano.

E’ un musicista romantico che, < nelle sue opere rivela aspetti elegiaci, una nostalgia per il passato visto come simbolo di bellezza, momenti malinconici, ma anche di grazia e di divertimento leggero e spontaneo, il tutto unito a una grande sensibilità e profondità interiore >.

Infanzia e adolescenza di Schubert:

Franz Schubert nasce a Vienna, nella casa detta “Zum roten Krebsen”: oggi, si trova al n. 54 della Nußdorfer Straße ma, a quel tempo, è al n. 72 del sobborgo del Himmelpfortgrund, nella zona nord-occidentale della città.
Viene battezzato il giorno dopo nella Parrocchia del distretto di Lichtental.

Suo padre è Franz Theodor Schubert ed è figlio di un contadino di Neudorf, in Moravia, studia a Vienna e, nel 1786, diventa Maestro nella Scuola Elementare situata al n. 12 del Himmelpfortgrund (ora, Säulengasse 3), nel distretto povero di Lichtental.
La madre, Elisabeth Vietz, figlia di un fabbro di Zuckmantel (Slesia), prima del matrimonio lavora a Vienna come cuoca.

Il matrimonio dei suoi genitori ha luogo il 17 gennaio 1785 e Franz è il dodicesimo di quattordici figli, dei quali solo cinque vedono l’età adulta: Ignaz, Ferdinand, Karl, Franz e Maria Teresa.
1813: l’anno seguente alla morte della prima moglie, Franz Theodor si risposa con Anna Kleyenböck, figlia di un fabbricante di seta: è più giovane di lui di vent’anni e gli dà altri cinque figli.

Franz Theodor è devotamente religioso e fortemente monarchico.
1797: acquista l’immobile scolastico della Säulengasse e vi si trasferisce con la famiglia.
1818: viene nominato Maestro della Scuola del distretto ricco e borghese di Rossau, dove insegna, coadiuvato dai figli Ignaz e Franz.
1829: le Autorità lo ripagano concedendogli la Cittadinanza Onoraria di Vienna.
19 luglio 1830: muore poco prima di ricevere la Medaglia d’Oro al Valor Civile.

L’abitazione di Schubert nella Säulengasse:

Ai tempi del piccolo Franz, un Maestro delle scuole austriache deve conoscere la Musica, per cui il bambino riceve le prime lezioni dal padre e dal fratello maggiore Ignaz.
All’età di sette anni, viene affidato al Maestro del Coro della Parrocchia di Lichtental, Michael Holzer, a cui, nel 1825, Schubert dedicherà la sua “Messa in Do maggiore”; Maestro che gli impartisce lezioni di Contrappunto e gli insegna a cantare e a suonare l’organo.

Un particolare importante: Holzer ripete spesso di non aver mai avuto un simile allievo, e lo contempla spesso con le lacrime agli occhi, dicendo: «In che posso essergli utile? Quando voglio insegnargli qualcosa, la sa già» e, un giorno in cui Franz riesce ad elaborare un tema in modo eccezionale per la sua età, esclama: «Ha l’armonia nel dito mignolo!».

30 settembre 1808: Schubert supera l’esame per entrare come Corista nella Cappella Reale, quindi può frequentare l’Imperiale Convitto Civico.
Qui studia Canto con Philipp Korner, studia Violino con Ferdinand Hofmann e Pianoforte con Wenzel Ruziczka, emergendo anche in altri studi e nella condotta.
Importante: egli stesso ritiene «piacevole» la vita che conduce nel convitto, a parte il «modesto pranzo e una ben misera specie di cena».

Prime composizioni:

Le sue prime composizioni vengono create negli anni del Convitto:

. Aprile 1810: compone la “Fantasia in sol maggiore per pianoforte a quattro mani D 1”, un genere nel quale Schubert diventerà < il compositore più fecondo e anche il più insigne >.
Appartengono a questo genere la “Fantasia D 2e” (1811), e la “Fantasia D 48” (1813).
Attraverso la prima, viene dimostrato che Schubert ha imparato il Contrappunto senza dover aspettare le lezioni di Salieri (iniziate il 18 giugno 1812); la seconda si ispira all’Andantino della “Fantasia in do minore K 475” di Mozart.
Nonostante la sua immaturità, la “Fantasia D 48” sarà ripresa direttamente nella “Wanderer-Fantasie” e nella “Fantasia in fa minore” (1828), definita «superba».

. Schubert, i suoi compagni e la sua famiglia preferiscono l’esercizio del “Quartetto d’archi”.
1812: ne compone tre di cui il primo riesce male e immaturo; nel secondo, in “do maggiore”, manca di un vero e proprio sviluppo; il terzo è quasi una ripetizione del “Quartetto op. 76 n. 2 di Haydn”.

. 3 marzo 1813: inizia e termina in quattro giorni il quarto “Quartetto”: il cui primo movimento ricorda il “Quartetto K 465” di Mozart, il secondo movimento è nello stile di Haydn e il terzo è molto beethoveniano.
Però, nel finale, Schubert dimentica i suoi esempi, generando una piccola opera-maestra.

Il “Quartetto per archi n. 6 in re maggiore D 74”, scritto tra il 22 agosto e il 3 settembre 1813, presenta molti richiami a Mozart: nel primo movimento, si riferisce ai “Quartetti K 575” e “Hoffmeister”, e all’ouverture de “Il Flauto magico”; nel secondo, all’ “Andante” della “Sinfonia-Praga”.
Questo ripetuto ritorno al Maestro del passato, Mozart, è dovuto all’influenza di Salieri, suo nuovo insegnante al Convitto.

28 ottobre 1813: Schubert esegue la sua prima sinfonia (D 82), composta in occasione dell’ “Addio al Convitto” e dedicata al Direttore Innozenz Lang.

Il lavoro è scritto nello spirito di Mozart/Haydn, ma il primo tema ricorda l’Ouverture del “Prometeo” e il “Minuetto” lo scherzo della “Seconda Sinfonia”: entrambi di Beethoven.
In tale sinfonia, “tutto è superficiale, musicale e festoso»”, come ci si aspetta da “un giovane ricco di doti misteriose, ma intimamente sano”.

23 settembre: per la festa del padre, viene eseguita una “Cantata per due tenori, un basso e una chitarra”.
Sempre, in tale anno, compone alcuni Canoni prevalentemente su testi di Friedrich Schiller.
Da segnalare anche tre “Kyrie” e molti “Lieder”, tra cui spiccano “Thecla” e “Der Taucher”.
Scritti metastasiani li musica attraverso canzoni e dà la prova di un anno di intensa creatività componendo cinque minuetti con “Trio per Orchestra”.

1814: inizia a lavorare come Maestro di Scuola, continuando a comporre musiche; in quel periodo, quattro Singspiel, la Seconda e la Terza Sinfonia, e quattordici Lieder (“canzoni”), tra cui “Gretchen am Spinnrade” (“Margherita all’arcolaio”).
Inoltre, compone una Messa per le “Celebrazioni del Centenario della Parrocchia” nativa di Lichtenthal.
In questa occasione, conosce i Grob, commercianti in seta e, quindi, la figlia Therese, dotata di una bella voce duttile che esegue la parte del soprano.
Incomincia una relazione tra Therese e Schubert, ma il sogno matrimoniale viene annullato a causa delle ristrettezze economiche in cui versa il compositore.
21 novembre 1820: Therese sposa il panettiere Johann Bergmann, di condizioni molto più agiate.

Per qualche tempo, Schubert vive con l’amico Franz von Schober e, poi, diventa Maestro di Musica a Zelis: incarico presto abbandonato.
Per mezzo degli aiuti di pochi amici (Johann Michael Vogl e Johann Mayrhofer) e di intellettuali estimatori delle sue opere, il musicista, nonostanze si trovi in ristrettezze economiche, riesce a vivere senza impiego sicuro e a continuare a comporre.

Anni di maturità e morte:

Primi Anni Venti 1800: nascono i primi lavori teatrali, come “Die Zwillingbrüder” (“I gemelli”), rappresentato nel 1820.

1826: grazie ad una donazione ricevuta dalla “Società degli Amici della Musica”, la produzione artistica si rafforza e Schubert termina il ciclo liederistico “Winterreise” (“Viaggio d’inverno”, 1827).
Vengono composti circa seicento brani liederistici, tra cui i Quattordici Lieder raccolti che l’Editore Haslinger intitola, dopo la sua morte, “Schwanengesang” (“Canto del cigno”, 1828), il Ciclo Liederistico chiamato “Die schöne Müllerin” (“La bella mugnaia”), la”Sinfonia Grande in do maggiore (1828)”, il “Quintetto per archi in do maggiore”, le “Sonate per Pianoforte” e la “Fantasia in fa minore per pianoforte a quattro mani”.

1822: intorno a questa data, a Schubert, si manifesta la sifilide, una malattia venerea grave che minerà il suo fisico.
Scubert non ce la fa a resistere ad un attacco di febbre tifoide, contratta a Eisenstadt durante una visita alla tomba di Franz Joseph Haydn, per cui muore il 19 novembre 1828, all’età di 31 anni.

Stile e influenze:

1947: durante una discussione circa lo stile di Schubert, il musicista Ernst Krenek ammette che, all’inizio della sua carriera, credeva nell’opinione diffusa che riteneva Schubert “un fortunato inventore di melodie piacevoli” ma che, dopo aver studiato alcuni brani del compositore austriaco, si è ricreduto, per cui afferma che “al contrario, egli era artista di concetto con un forte appetito per la sperimentazione” (Krenek intende la stesura e composizione di una varietà di forme e generi musicali assai differenti tra loro).
Infatti, all’inizio, Scubert è influenzato da Beethoven e Mozart; poi, mostrerà interesse per forme e generi diversi (opera, musica sinfonica, musica liturgica e composizioni per solo pianoforte).

A cavallo fra forme classiche e tendenze romantiche, Schubert è innovativo nell’uso assolutamente sperimentale delle modulazioni, quali alcuni brani come la “Nona Sinfonia” o la “Sonata in la minore per Pianoforte e Arpeggione).

Ma è soprattutto nei Lieder che Schubert lascia il segno, esplorando il genere: oltre seicento composizioni e, con alcune di esse, arriva a risultati considerevoli come innovazione del genere stesso, con tendenza a forme più libere (anche a livello metrico), tipiche del nuovo movimento romantico.

Strumenti:

Schubert ha l’accesso a pianoforti fra cui un pianoforte Benignus Seidner (ora esposto alla Schubert Geburtshaus di Vienna) e un Anton Walter & Sohn (custodito al Kunsthistorisches Museum di Vienna), oltre ad avere familiaritá con gli strumenti del costruttore viennese Conrad Graf.

Composizioni:

Il catalogo Deutsch:

“La numerazione tradizionale delle opere di Schubert è stata via via sostituita dalla notazione fornita dal catalogo redatto da Otto Erich Deutsch e pubblicato per la prima volta nel 1951. La notazione è composta dalla lettera D seguita da un numero ed eventualmente da una lettera minuscola per inserimenti, spostamenti o ritrovamenti successivi.
Ad esempio alla “Sinfonia n. 8 Incompiuta” corrisponde il numero di catalogo “D 759”.

Franz Schubert = lavori musicali:

Sonate per pianoforte:

. Sonata n. 1 in mi maggiore D 157 (frammento)
. Sonata n. 2 in do maggiore D 279 (frammento)
. Sonata n. 3 in mi maggiore D 459 (Fünf Klavierstücke)
. Sonata n. 4 in la minore D 537 (op. 164)
. Sonata n. 5 in la bemolle maggiore D 557
. Sonata n. 6 in mi minore D 566
. Sonata n. 7 in re bemolle maggiore D 567
. Sonata n. 8 in mi bemolle maggiore D 568 (op. 122)
. Sonata in fa diesis minore D 571 (frammento)
. Sonata n. 9 in si maggiore D 575 (op. 147)
. Sonata n. 10 in do maggiore D 613
. Sonata n. 11 in fa minore D 625
. Sonata n. 12 in do diesis minore D 655 (singolo movimento)
. Sonata n. 13 in la maggiore D 664 (op.120)
. Sonata n. 14 in la minore D 784 (op.143)
. Sonata n. 15 in do maggiore D 840 “Reliquie” (frammento)
. Sonata n. 16 in la minore D 845 (op. 42)
. Sonata n. 17 in re maggiore D 850 (op. 53)
. Sonata n. 18 in sol maggiore D 894 (op. 78)
. Sonata n. 19 in do minore D 958
. Sonata n. 20 in la maggiore D 959
. Sonata n. 21 in si bemolle maggiore D 960

Altre composizioni per pianoforte:

. Improvviso op. posth. 142 n° 3 (D 935/3) in Si bemolle maggiore, variazione I, di Franz . Schubert
. Fantasia in Do maggiore “Wanderer” op. 15 D 760
. Vier Impromptus op. 90 D 899
. Vier Impromptus op. 142 D 935
. Six moments musicaux op. 94 D 780
. Drei Klavierstücke D 946
. Fantasia in Fa minore op. 103 D 940 a 4 mani
. Tre marce militari op. 51 D 733 a 4 mani
. 16 Danze tedesche D 783
. 12 Deutsche “Landler” op. 171, D 790
. 2 Scherzi D 593

Quartetti per archi:

. Quartetto per archi n. 1 D 18 (in diverse tonalità)
. Quartetto per archi n. 2 in do maggiore D 32
. Quartetto per archi n. 3 in si bemolle maggiore D 36
. Quartetto per archi n. 4 in do maggiore D 46
. Quartetto per archi n. 5 in si bemolle maggiore D 68
. Quartetto per archi n. 6 in re maggiore D 74
. Quartetto per archi n. 7 in re maggiore D 94
. Quartetto per archi n. 8 in si bemolle maggiore D 112
. Quartetto per archi n. 9 in sol minore D 173
. Quartetto per archi n. 10 in mi bemolle maggiore D 87 (opera postuma 125 n. 1)
. Quartetto per archi n. 11 in mi maggiore D 353 (opera postuma 125 n. 2)
. Quartetto per archi n. 12 in do minore D 703
. Quartetto per archi n. 13 in la minore Rosamunda D 804 (op. 29 n. 1)[20]
. Quartetto per archi n. 14 in re minore La morte e la fanciulla D 810
. Quartetto per archi n. 15 in sol maggiore D 887 (opera postuma 161)
. Movimento di quartetto in do minore D 103

Trii per pianoforte e archi:

. Trio per pianoforte, violino e violoncello n. 1 in si bemolle maggiore D 898 op.99
. Trio per pianoforte, violino e violoncello n. 2 in mi bemolle maggiore D 929 op.100
. Trio per pianoforte, violino e violoncello in si bemolle maggiore D 28 («Sonata»)
. Adagio per pianoforte, violino e violoncello in mi bemolle maggiore D 897 («Notturno»)

Altre composizioni da camera:

. Trio per violino, viola e violoncello in si bemolle maggiore D 581
. Trio per violino, viola e violoncello in si bemolle maggiore D 471
. Sonata in la minore per arpeggione e pianoforte D 821
. Quintetto per pianoforte e archi in la maggiore “La trota” op. 114 D 667
. Quintetto per archi in do maggiore D 956 (opera postuma 163)
. Ottetto in fa maggiore per clarinetto, fagotto, corno, due violini, viola, violoncello e contrabbasso D 803 (opera postuma 166)
. Variazioni sul tema ‘Trockne Blumen’ per pianoforte e flauto D 802 (opera postuma 160)
. Tre Sonatine per pianoforte e violino op. 137, n.1 in Re maggiore D.384, n. 2 in La minore D. 385, n. 3 in Sol minore D 408
. Sonata in La maggiore per violino e pianoforte op. 162 D574

Musica orchestrale:

. Sinfonia n. D 2B in re maggiore (1811)
. Sinfonia n. 1 in re maggiore D 82 (1813)
. Sinfonia n. 2 in si bemolle maggiore D 125 (1814-1815)
. Sinfonia n. 3 in re maggiore D 200 (1815)
. Sinfonia n. 4 in do minore La tragica D 417 (1816)
. Sinfonia n. 5 in si bemolle maggiore D 485 (1816)
. Sinfonia n. 6 in do maggiore La piccola D 589 (1817-1818)
. Sinfonia n. D 615 in re maggiore (1818)
. Sinfonia n. 7 in mi maggiore D 729 (1821)
. Sinfonia n. D 708A in re maggiore (1821)
. Sinfonia n. 8 in si minore Incompiuta D 759 (1822)
. Sinfonia n. 9 in do maggiore La grande D 944 (1825-1828)
. Sinfonia n.10 in re maggiore D 936a (1828)
. Ouverture in re maggiore per la commedia Der Teufel als Hydraulicus di Johann Ernst Friedrich Albrecht per orchestra D 4 (1812?)
. Ouverture in re maggiore per orchestra D 12 (1811)
. Ouverture in re maggiore per orchestra D 26 (1812)
. Ouverture in si bemolle maggiore per orchestra D 470 (1816)
. Ouverture in re maggiore per orchestra D 556 (1817)
. Ouverture nello stile italiano in re maggiore per orchestra D 590 (1817)
. Ouverture nello stile italiano in do maggiore per orchestra D 591 (1817)
. Ouverture in mi minore per orchestra D 648 (1819)
. Konzertstück in re maggiore per violino e orchestra D 345 (1816)
. Rondò in la maggiore per violino e orchestra d’archi D 438 (1816)
. Polacca in si bemolle maggiore per violino e orchestra D 580 (1817)

Musica sacra:

. Messa n. 1 in fa maggiore D 105
. Messa n. 2 in sol maggiore D 167
. Messa n. 3 in si bemolle maggiore D 324
. Messa n. 4 in do maggiore D 452
. Messa n. 5 in la bemolle maggiore D 678
. Messa n. 6 in mi bemolle maggiore D 950
. Deutsche Messe (Messa tedesca) n. 7 in fa maggiore D 872
. Stabat Mater D 175
. Magnificat D 486
. Salve Regina D 676

Musica vocale:

. Gretchen am Spinnrade (Margherita all’arcolaio) D 118
. Erlkönig (Il re degli Elfi) D 328
. Auf dem Wasser zu singen (Da cantare sull’acqua) D 774
. Chor der Engel (Coro degli Angeli) D 440
. Die Schöne Müllerin (La bella mugnaia) D 795
. Winterreise (Viaggio d’inverno) D 911
. Schwanengesang (Canto del cigno) D 957
. Der Hirt auf dem Felsen (Il Pastore sulla rupe) D 965
. Ave Maria D 839

Musica operistica:

. Der Spiegelritter (Il cavaliere specchio) D 11 (incompiuta, 1811)
. Des Teufels Lustschloß (Il palazzo del piacere del diavolo) D 84 (1814)
. Der vierjährige Posten (Il lavoro di quattro anni) D 190 (1815)
. Fernando D 220 (1815)
. Claudine von Villa Bella D 239 (incompiuta, 1815)
. Die Freunde von Salamanka (Gli amici di Salamanca) D 326 (1815)
. Die Bürgschaft (La garanzia) D 435 (incompiuta, 1816)
. Adrast D 137 (incompiuta, 1817)
. Die Zwillingsbrüder (I gemelli) D 647 (1820)
. Die Zauberharfe (L’arpa magica) D 644 (1820)
. Lazarus D 689 (incompiuta, 1820)
. Sakuntala D 701 (incompiuta, 1820)
. Alfonso und Estrella (Alfonso ed Estrella) D 732 (1821-1822)
. Die Verschworenen (I cospiratori) D 787 (1823)
. Rüdiger D 791 (incompiuta, 1823)
. Fierrabras D 796 (1823)
. Rosamunde D 797 (1823)
. Der Graf von Gleichen (Il conte di Gleichen) D 918 (incompiuta, 1827)
. Der Minnesänger (Il menestrello) D 981 (incompiuta, perduta, data sconosciuta)
. Sophie D 982 (incompiuta, 1819-1821)

Battuto al computer da Lauretta

Franz Schubert ritratto da Wilhelm Rieder:

https://it.wikipedia.org/wiki/File:Franz_Schubert_by_Wilhelm_August_Rieder_1875_larger_version_crop.png

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“AVE MARIA”, cantata dal tenore Luciano Pavarotti, sotto la direzione del Maestro Zubin Mehta:

Charles Camille Saint-Saëns nasce a Parigi il 9 ottobre 1835 e muore ad Algeri il 16 dicembre 1921.

E’ un compositore, pianista e organista francese.

Da talento precoce, comincia a studiare pianoforte a tre anni; a cinque, debutta in un concerto.
In seguito, si iscrive ai Corsi di Organo e Composizione, presso il Conservatorio di Parigi.
La sua carriera inizia come Organista nelle chiese francesi, in particolare alla Chiesa della Madeleine.

Poi, con Romain Bussine, fonda la “Société Nationale de Musique” il cui scopo è di far conoscere ed eseguire le opere di autori francesi.

Come compositore, all’inizio, è influenzato da Franz Liszt e diventa un fervente wagneriano, ma, nella maturità, si allontana.

E’ aperto verso le opere di compositori giovani, ma non apprezza la musica impressionista e detesta Debussy.

Compone parecchia musica orchestrale e diverse opere teatrali, di cui la più conosciuta è “Sansone e Dalila”.
Le sue creazioni più note sono “Il carnevale degli animali” e il poema sinfonico “Danza macabra”.

Infanzia ed esordi di Saint-Saëns:

Il padre di Saint-Saëns è un funzionario governativo di condizioni agiate che, però, muore di tubercolosi dopo soli tre mesi dalla nascita del figlio.
Clémence, la madre, chiede aiuto alla zia Masson, che li accoglie.

Già, prima dei tre anni, il piccolissimo Camille dimostra una forte predisposizione musicale e la prozia gli insegna i primi rudimenti del pianoforte.
Musicalmente, è uno dei bambini-prodigio più dotati: possiede l’orecchio totale e, da quasi subito, comincia a comporre.
22 marzo 1839: crea la sua prima composizione, un pezzo breve per pianoforte, composizione conservata presso la Biblioteca Nazionale di Francia.
La sua precocità gli permette, già all’età di tre anni, di sapere leggere e scrivere, mentre imparerà il Latino quattro anni più tardi.

La sua prima esibizione in pubblico avviene all’età di cinque anni, quando accompagna al pianoforte una sonata per violino di Beethoven.
Quindi si dedica a studiare molto bene la partitura del “Don Giovanni”.

1842: Saint-Saëns ha sette anni quando diventa allievo di Camille-Marie Stamaty (il cui insegnante è stato Friedrich Kalkbrenner).
Idem, 1842: tiene il primo concerto, debuttando alla “Salle Pleyel”, suonando il “Concerto per pianoforte n. 15 K 450” di Mozart e altri brani di Händel, Kalkbrenner, Hummel e Bach.
Come bis, Saint-Saëns propone di suonare una delle trentadue sonate per pianoforte di Beethoven a memoria.
La notizia di tale concerto straordinario si diffonde molto presto in Europa e negli Stati Uniti, dove viene pubblicata su un quotidiano di Boston.

Fine anni ’40: entra al Conservatorio di Parigi in cui studia Organo e Composizione (quest’ultima materia la studia come allievo di Jacques Halévy).

Pur avendo vinto parecchi premi di un certo peso, nel 1852 e nemmeno nel 1864, Saint-Saëns riusce a conquistare il rinomato e rispettato “Premio di Roma”.

I riconoscimenti conquistati gli danno fama: fama che gli permette di conoscere Franz Liszt, con cui diventeranno grandi amici.

Saint-Saëns ha sedici anni quando scrive la sua prima sinfonia; la seconda, pubblicata come “Sinfonia N. 1 in mi♭ maggiore”, viene eseguita nel 1853, destando lo stupore meravigliato della critica e degli altri musicisti.
Hector Berlioz, suo futuro buon amico, commenta: “Il sait tout, mais il manque d’inexpérience” (“Sa tutto, ma manca d’inesperienza”).

Ha 25 anni quando inizia il primo dei suoi tanti viaggi verso l’Europa occidentale per far conoscere la sua musica: genio musicale che si ingigantisce appassionandosi anche allo studio delle scienze animali e vegetali.

Saint-Saëns nel pieno dell’attività musicale:

Saint-Saëns, per vivere, lavora come Organista in diverse chiese di Parigi.
1857: sostituisce Lefébure-Wely nell’insigne ruolo di Organista della Chiesa della Madeleine, ruolo che mantiene fino al 1877.
Il pubblico parigino è incantato dalle sue improvvisazioni che gli procurano l’encomio di Liszt che, nel 1866, definisce Saint-Saëns “il più grande organista del mondo”.

1861-1865: Saint-Saëns si dedica all’insegnamento per la prima ed ultima volta nella sua vita, occupando la Cattedra di Pianoforte alla scuola “Niedermeyer”: qui, infrange le regole tradizionali più consolidate, inserendo nei programmi i curriculum con opere di musicisti contemporanei come Liszt, Gounod, Schumann, Berlioz e Wagner, e dove si prevedono solo Scarlatti, Rameau, Couperin, Bach, Mozart, Clementi e Beethoven.

Tra i suoi allievi troviamo musicisti diventati celebri come André Messager e soprattutto, Gabriel Fauré, il suo allievo favorito, destinato a diventare anche il suo più caro amico.

Saint-Saëns è, intellettualmente, poliedrico.
Infatti, fin da bambino, dimostra inclinazione allo studio della Geologia, dell’Archeologia, della Botanica e della branca dell’Entomologia che studia i lepidotteri, oltre ad essere un eccellente Matematico.
Oltre ad essere attivo come Compositore, Esecutore e Pubblicista Musicale, in seguito, si dedica anche ad altre varie discipline, discutendo con i migliori scienziati d’Europa e scrivendo validi articoli in materia di Acustica, Scienze Occulte, Decorazioni nel Teatro dell’Antica Roma e Strumenti Antichi.
Scrive “Problèmes et Mystères”, un’opera filosofica, che tratta di come la Scienza e l’Arte possano supplire alla Religione; la sua visione atea e pessimistica di Saint-Saëns anticipa l’Esistenzialismo.

Letterariamente, pubblica un volume di poesie dal titolo “Rimes familières” e la commedia farsesca “La Crampe des écrivains”, che otiene un buon successo.

Da “Membro della Società Astronomica di Francia”, tiene conferenze sui miraggi, possiede un telescopio costruito secondo sue precise indicazioni, arrivando persino a progettare concerti che corrispondano a fenomeni astronomici (tipo le eclissi solari).

1870: Saint-Saëns viene arruolato nella Guardia Nazionale per combattere nella Guerra Franco-Prussiana che si conclude in sei mesi appena, ma gli lascia un segno forte.

1871: assieme a Romain Bussine (poeta, baritono, compositore e insegnante di canto), fonda la “Société Nationale de Musique” allo scopo di sviluppare il nuovo e originale stile musicale francese.

A Parigi, dopo la caduta della “Comune”, la “Société Nationale de Musique” organizza la prima esecuzione dei lavori degli appartenenti (Gabriel Fauré, César Franck, Édouard Lalo, Camille Saint-Saëns).
Saint-Saëns condivide la presidenza della “Société” e contribuisce in modo determinante nel modellare il futuro della musica francese.

1875: Saint-Saëns sposa Marie-Laure Truffot e, dal matrimonio, nascono due figli, André e Jean-François, che muoiono a distanza di sei settimane l’uno dall’altro (1878).
Tre anni dopo, Saint-Saëns lascia la moglie.
Non divorziano, ma vivono separati per il resto della loro vita.

Gli ultimi anni:

1886: sono di quest’anno “Le Carnaval des Animaux” (“Il carnevale degli Animali”) e la “Sinfonia n. 3”, dedicata alla memoria di Franz Liszt, morto poco tempo prima.

Idm, 1886: Vincent d’Indy e i suoi alleati causano l’allontanamento di Saint-Saëns dalla “Société Nationale de Musique”.

1888: muore la madre di Saint-Saëns, per cui il compositore si sente spinto a lasciare la Francia provvisoriamente e a trasferirsi alle Isole Canarie, dove adotta lo pseudonimo di Sannois.

Negli anni seguenti, gira il Mondo e visita luoghi esotici in Europa, Nord Africa, Sud-Est asiatico e Sud America, raccogliendo il diario dei suoi viaggi in alcuni libri popolari, firmandoli Sannois.
Continuerà a scrivere argomenti musicali, scientifici e storici, viaggiando spesso prima di vivere i suoi ultimi anni ad Algeri, la capitale dell’Algeria.
Il governo francese gli concede l’Onorificenza della “Legion d’Onore”.

16 dicembre 1921: Camille Saint-Saëns muore di polmonite all’ “Hôtel de l’Oasis”, ad Algeri, ma il suo corpo viene riportato a Parigi alla “Chiesa de La Madeleine” per i funerali di Stato, dopodiché viene sepolto nel Cimitero di Montparnasse, a Parigi.

Eredità musicale, rapporti con gli altri compositori:

In Francia, da sempre, l’opera predomina in assoluto sulle altre musiche; Saint-Saëns è fautore della musica strumentale e valorizza l’opera di Schumann contro l’opinione corrente, mentre la sua passione per Mozart anticipa la sensibilità musicale più divulgata.
Cura l’edizione dell’ “Opera omnia” di Rameau in un periodo di tempo dove non si è molto disposti verso la musica antica e, nel contempo, si dà da fare per i nuovi compositori francesi, per cui, nel 1871, fonda la “Societé Nationale de Musique”.

Sempre, in Francia, Saint-Saëns: non è un cultore delle opere wagneriane, ma è uno dei primi sostenitori della musica di Wagner: infatti, durante le lezioni alla Scuola “Niedermeyer”, propone brani dalle sue opere, facendo eseguire in “prima” francese la “Marcia” da “Tannhäuser”.
Lo stesso Wagner rimane stupito quando lo vede e lo sente suonare le intere partiture orchestrali (senza averle lette prima) di “Lohengrin”, “Tristan und Isolde” e “Siegfried”, suggerendo a Hans von Bülow di assegnargli l’appellativo della “più grande mente musicale” dell’epoca.
Nonostante questo, dopo la Prima Guerra Mondiale, Saint-Saëns si attira l’antipatia dei Francesi e dei Tedeschi attraverso articoli provocatori, intitolati “Germanophilie”, che attaccano pesantemente Wagner.

Opere:

Saint-Saëns compone moltissimo: musica a soggetto o teatrale, tra cui quattro poemi sinfonici e dodici opere, oltre ad essere tra i primi a scrivere per il cinema (esattamente, per il film “L’Assassinat du Duc de Guise” di Henri Lavedan)

Onorificenze:

. Onorificenze francesi:

Cavaliere dell’Ordine della Legion d’Onore – nastrino per uniforme ordinaria Cavaliere dell’Ordine della Legion d’Onore
— 15 agosto 1868
Ufficiale dell’Ordine della Legion d’Onore – nastrino per uniforme ordinaria Ufficiale dell’Ordine della Legion d’Onore
— 14 luglio 1884
Commendatore dell’Ordine della Legion d’Onore – nastrino per uniforme ordinaria Commendatore dell’Ordine della Legion d’Onore
— 30 luglio 1894
Grand’ufficiale dell’ordine della Legion d’Onore – nastrino per uniforme ordinaria Grand’ufficiale dell’ordine della Legion d’Onore
— 18 agosto 1900
Cavaliere di Gran Croce dell’Ordine della Legion d’Onore – nastrino per uniforme ordinaria Cavaliere di Gran Croce dell’Ordine della Legion d’Onore
— 12 gennaio 1913

. Onorificenze straniere:

Commendatore dell’Ordine di Vittoria (Gran Bretagna) – nastrino per uniforme ordinaria Commendatore dell’Ordine di Vittoria (Gran Bretagna)
— 1902
Laurea honoris causa – nastrino per uniforme ordinaria Laurea honoris causa
— Università di Cambridge, 26 giugno 1893
Laurea honoris causa – nastrino per uniforme ordinaria Laurea honoris causa
— Università di Oxford, 1907

Il 17 settembre 1900 l’Imperatore Guglielmo II di Germania gli assegna la Croce Pour le Mérite per la scienza e l’arte, che Camille Saint-Saëns restituisce il 15 novembre 1914.

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Camille Saint-Saëns:

https://it.wikipedia.org/wiki/File:Saintsaens.jpg

Ottorino Respighi, Accademico d’Italia, nasce a Bologna il 9 luglio 1879 e muore a Roma il 18 aprile 1936.

E’ un Compositore, Musicologo e Direttore d’Orchestra italiano.

Ottorino Respighi, Alfredo Casella, Franco Alfano, Gian Francesco Malipiero e Ildebrando Pizzetti appartengono alla “Generazione dell’Ottanta”, ossia al Gruppo di musicisti che sono il rinnovamento della musica italiana di quegli anni.

Respighi compone parecchi lavori di vario genere (sonate, concerti, suites, opere liriche, cicli per voce e pianoforte e altro) ma, soprattutto, è conosciuto per la serie di Poemi Sinfonici dedicati a Roma (la “Trilogia romana”) di cui, il secondo, “I pini di Roma”, è il più celebre e il più inciso.

E’ anche Trascrittore e Musicologo: antiche arie e danze per Liuto (suites I, II e III), orchestrazione di brani rinascimentali, trascrizioni per orchestra della “Passacaglia BWV 582” di Johann Sebastian Bach, Études-Tableaux di Rachmaninov e brani originariamente scritti per pianoforte da Gioachino Rossini.
Ha interesse per la Musica Gregoriana, per cui crea un “Concerto gregoriano per violino e orchestra” (1921) e la Suite sinfonica “Vetrate di chiesa” (1926), ispirata a melodie gregoriane.

Ottorino Respighi è il terzo ed ultimo figlio di Giuseppe, a sua volta figlio di un Organista del Duomo di Borgo San Donnino, e di Ersilia Putti, discendente da una famiglia di importanti scultori.

Inizia gli studi musicali di Pianoforte e Violino col padre Giuseppe, dopodiché frequenta la classe di Composizione di Giuseppe Martucci e la classe di violino di Federico Sarti presso il Conservatorio di Bologna.
Suona nell’ Orchestra del “Teatro Comunale” e, poi, si reca in Russia come Prima Viola dell’Orchestra del “Teatro Imperiale” di San Pietroburgo per la “Stagione d’Opera Italiana”.
In quel periodo, conosce Nikolaj Rimskij-Korsakov e, per cinque mesi, studia con lui, da cui apprende a fondo l’arte della “Sinfonia Orchestrale” e del “Poema Sinfonico”.

1908: il famoso soprano ungherese di fama internazionale Etelka Gerster lo chiama a Berlino come Pianista Accompagnatore della sua Scuola di Canto.
Qui, conosce Arthur Nikisch, Ferruccio Busoni e studia Composizione con Max Bruch.

Fino a questo momento, la sua attività principale è di Violista (appartiene anche al “Quintetto Mugellini” con i violinisti Mario Corti e Romualdo Fantuzzi, il Violoncellista Antonio Certani e il Pianista Bruno Mugellini).
Successivamente, si dedica completamente alla Composizione.

1913: Respighi si trasferisce a Roma dove vivrà per il resto della sua vita.
E’ Docente di Composizione del “Conservatorio di Santa Cecilia”, di cui è direttore dal 1923 al 1926.

23 marzo 1932: Respighi viene eletto “Membro dell’Accademia d’Italia” fondata da Benito Mussolini.

E’ membro della Massoneria.

1919: Respighi sposa Elsa Olivieri Sangiacomo, Compositrice-Cantante-Pianista, già sua allieva al Conservatorio.
Elsa, assieme ad Ennio Porrino (idem, suo allievo a Roma), completa l’ultima opera lirica di Respighi, “Lucrezia”, lasciata incompiuta a causa di decesso causato da un’endocardite nel 1936, all’età di cinquantasei anni e otto mesi, nella sua villa romana “I Pini”, in via della Camilluccia (tale proprietà verrà acquistata dai Principi Colonna e risistemata su consiglio dell’Architetto Marcello Piacentini che, fra l’altro, disegna il caminetto nello studio).

Ottorino ed Elsa Respighi sono sepolti insieme nel Cimitero Monumentale della Certosa di Bologna e il loro sarcofago si trova nel Campo “Carducci”, nel lato ovest, al numero 12/2, vicino al monumento a Giosuè Carducci.

Così, è stato riferito:

< Il 19 giugno, dopo la morte del Maestro Sinfonista, il tratto di Via de’ Castagnoli a fianco del Teatro Comunale dove egli visse da ragazzo con la sua famiglia viene intitolato “Largo Respighi” >.

La musica:

< «Fra i compositori italiani del Novecento storico, Ottorino Respighi (1879-1936) è sicuramente quello che ha avuto e ha meno bisogno di spinte esterne, festival promozionali, convegni e occasioni monografiche per trovare quella diffusione, la fortuna e la fama internazionale che all’autore dei tre poemi sinfonici romani arrise praticamente da subito, sulla scorta di bacchette quali Toscanini, De Sabata e Karajan ieri l’altro o ieri, Maazel, Muti, o Sinopoli oggi.»
(Alberto Cantù, Respighi compositore, Torino, Eda, 1985) >

< Ottorino Respighi fu anche musicologo, particolarmente devoto alla musica italiana del periodo tra il XVI ed il XVIII secolo; pubblicò e revisionò musiche di Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi e Benedetto Marcello, e si interessò in modo particolare al canto gregoriano; tali interessi erano destinati a lasciare una traccia molto profonda sulla sua attività compositiva, al punto che molte delle sue opere hanno un’impostazione decisamente modale (“Concerto in modo misolidio”, “Quartetto dorico”, “Metamorphoseon XII Modi”, solo per citare gli esempi più eclatanti, in cui il titolo stesso delle composizioni si riferisce ai modi gregoriani).
Insieme a Sebastiano Arturo Luciani, poi, pubblicò Orpheus manuale di storia e forme della musica occidentale >.

< Maestro dell’orchestrazione, Respighi ha trascritto numerose delle melodie antiche su cui studiò e lavorò in versione orchestrale: vanno citati in merito i tre cicli intitolati Antiche arie e danze per liuto, orchestrazione di brani risalenti al XVI e XVII secolo, e “Gli uccelli”, trascrizione ed elaborazione di brani di Bernardo Pasquini, Jacques Gallot, Jean Philippe Rameau e altri. Egualmente degne di nota sono inoltre le trascrizioni orchestrali della “Passacaglia” per organo di Bach, degli Études-Tableaux di Rachmaninov, e dei pezzi pianistici di Rossini per il balletto “La boutique fantasque”, che testimoniano la sua straordinaria versatilità e restano tra i migliori esempi del genere >.

< Compose inoltre numerosi lavori per il teatro, tra cui otto Opere (da ricordare soprattutto “Belfagor”, “La campana sommersa”, “Maria Egiziaca”, “La fiamma”) e numerosi balletti; scrisse anche numerosi cicli di Liriche per voce e pianoforte, spesso da lui interpretati in Concerti assieme alla moglie Elsa, e molta Musica da camera.

Eredità artistica:

In generale, l’influenza di Respighi viene riscontrata, in particolare, nella musica nata per il cinema, specialmente, in due grandi nomi legati alla Composizione di colonne sonore: John Williams ed Ennio Morricone.
Quest’ultimo ha definito la “Trilogia Romana” come «il disco italiano più venduto in America».

Il giudizio della critica:

Il celebre Critico Paolo Isotta, per anni firma musicale del “Corriere della Sera”, considera Respighi «uno dei più grandi compositori del Novecento: non italiano, mondiale».

1944: lo scritto più celebre è certamente quello del Critico Massimo Mila che, nel suo breve saggio, constata una «inspiegabile diffidenza» della Critica nei confronti dell’opera di Respighi, «quasi una sorta di gelosia» per la grandissima popolarità raggiunta dalle sue composizioni.
Per descrivere tale successo Mila individua nella musica di Respighi la dote dell’«autorità» formale che suscita istintivamente il rispetto del pubblico.
Praticamente, «il gusto di Respighi è gusto di ieri e non di oggi, tipico del primo Novecento e proprio di quella parte di esso rimasta fino all’ultimo estranea alle correnti di pensiero che condussero al capovolgimento di valori morali ed estetici».

Le opere:

Musica sinfonica:

. Preludio, corale e fuga per orchestra P 30 (1901)
. Aria per archi P 32 (1901), revisione critica di S. Di Vittorio
. Leggenda per violino e orchestra P 36 (1902), revisione critica di Roberto Diem Tigani
. Concerto in la minore per pianoforte e orchestra P 40 (1902)
. Suite per archi P 41 (1902), revisione critica di S. Di Vittorio
. Concerto in la maggiore per violino e orchestra P 49 (1903), completato da Salvatore Di Vittorio
. Fantasia Slava per pianoforte e orchestra P 50 (1903)
. Humoreske per violino e orchestra P 45 (1903), revisione critica di Roberto Diem Tigani
. Serenata per piccola orchestra P 54 (1904), revisione critica di S. Di Vittorio
. Suite in sol maggiore, per archi ed organo P 58 (1906), revisione critica di S. Di Vittorio
. Overtura Burlesca per orchestra P 59 (1906)
. Il Lamento di Arianna per mezzosoprano e orchestra P 88 (1908), revisione critica di S. Di Vittorio
. Tre Liriche per mezzosoprano e orchestra P 99a (1913), orchestrazione completata da Salvatore Di Vittorio
. Sinfonia drammatica per orchestra P 102 (1914)
. Le fontane di Roma, poema sinfonico per orchestra P 106 (1916)
. Antiche arie e danze per liuto (prima suite), per orchestra P 109 (1917)
. Ballata delle gnomidi, poema sinfonico per orchestra P 124 (1919)
. Adagio con variazioni per violoncello e orchestra P 133 (1921)
. Concerto gregoriano per violino e orchestra P 135 (1921)
. Antiche arie e danze per liuto (seconda suite), per orchestra P 138 (1923)
. I pini di Roma, poema sinfonico per orchestra P 141 (1924)
. Concerto in modo misolidio per pianoforte e orchestra P 145 (1925)
. Poema Autunnale per Violino e Orchestra (1925)
. Rossiniana, suite per orchestra da Les riens di Rossini P 148 (1925)
. Vetrate di chiesa, quattro impressioni sinfoniche P 150 (1926)
. Trittico botticelliano per piccola orchestra P 151 (1927)
. Impressioni brasiliane, suite su temi brasiliani per orchestra P 153 (1928)
. Gli uccelli, suite per piccola orchestra P 154 (1928)
. Toccata per pianoforte e orchestra P 156 (1928)
. Feste romane, poema sinfonico per orchestra P 157 (1928)
. Preludio e Fuga in re maggiore, su musica di J.S. Bach P 158 (1929)
. Cinque Studi-Tableaux, trascrizione per orchestra dalle op. 33 e 39 di S. Rachmaninov P 160 (1930)
. Metamorphoseon –Modi XII, tema e variazioni per orchestra P 169 (1930)
. Antiche arie e danze per liuto (terza suite), per orchestra d’archi P 172 (1931)
. Concerto a cinque per oboe, tromba, violino, contrabbasso, pianoforte e archi P 174 (1933)

Musica da camera:

. Sonata in fa minore per pianoforte P 16 (1897)
. Quintetto a fiati in sol minore, per flauto, oboe, clarinetto, corno e fagotto (incompiuto) P 21 (1898)
. Preludio per pianoforte P 23 (1898)
. Sei pezzi per pianoforte solo (1903-1905)
. Doppio quartetto in re minore, per due quartetti d’archi P 27 (1900)
. Quintetto in fa minore per pianoforte e archi P 35 (1902)
. Quartetto in re minore per archi P 91 (1909)
. Sonata in si minore per violino e pianoforte P 110 (1916-1917)
. Tre preludi sopra melodie gregoriane per pianoforte P 131 (1921)
. Quartetto dorico per archi P 144 (1924)
. Suite della tabacchiera per strumenti a fiato e pianoforte a quattro mani P 168 (1930)
. Belkis, regina di Saba, suite dal balletto in cinque quadri P 171 (1931)
. Concerto a cinque per oboe, tromba, violino, contrabbasso, pianoforte e archi P 174 (1933)

Musica vocale:

. Cinque canti all’antica per canto e pianoforte, testi di Boccaccio, Donini, Re Enzo P 71 (1906)
. Il Lamento di Arianna per mezzosoprano e orchestra P 88 (1908), revisione critica di S. Di Vittorio
. Sei liriche, prima serie per canto e pianoforte, testi di D’Annunzio, Moréas, Aganoor Pompilj P 90 (1909)
. Aretusa, poemetto per voce e orchestra, testo di P.B. Shelley P 95 (1911 al Teatro Comunale di Bologna)
. E se un giorno tornasse…, recitativo per mezzosoprano e pianoforte, testo di V. Aganoor Pompilj, da Maeterlinck P 96 (1911)
. Sei liriche, seconda serie per canto e pianoforte, testi di Negri, Shelley, Samain, Rocchi P 97 (1912)
. Tre Liriche per mezzosoprano e orchestra P 99a (1913), orchestrazione completata da Salvatore Di Vittorio
. Il tramonto, poemetto lirico per mezzosoprano e quartetto d’archi, testo di P.B. Shelley P 101 (1914)
. La sensitiva, poema lirico per voce e orchestra, testo di P.B. Shelley P 104 (1914-1915)
. Deità silvane, per soprano e pianoforte, testi di Antonio Rubino P 107 (1917)
. Cinque liriche per soprano e pianoforte, testi di Shelley, de Fersen e Tagore P 108 (1917)
. La donna sul sarcofago, lirica per canto e pianoforte, versi di Gabriele D’Annunzio P 121 (1919)
. La statua, lirica per canto e pianoforte, versi di Gabriele D’Annunzio P 122 (1919)
. Quattro liriche su testi di Gabriele D’Annunzio P 125 (1920)
. Quattro liriche su parole di poeti armeni per canto e pianoforte P 132 (1921)
. Deità silvane, per soprano e orchestra da camera (trascrizione di P 107), testi di Antonio Rubino P 147 (1925)
. Lauda per la natività del Signore per soli, coro e strumenti, testo attribuito a Jacopone da Todi P 166 (1930)

Opere teatrali e balletti:

. Re Enzo, opera comica, libretto di Alberto Donini P 55 (1905)
. Semirâma, poema tragico in tre atti, libretto di Alessandro Cerè P 94 (1910)
. Marie Victoire, opera in quattro atti e cinque quadri, libretto di Edmond Guiraud P 100 (1912-1914)
. La boutique fantasque, balletto su musiche di Rossini P 120 (1918)
. La pentola magica, azione coreografica in due quadri su temi popolari russi P 129 (1920)
. Scherzo veneziano, commedia coreografica P 130 (1920)
. Belfagor, commedia lirica, libretto di Claudio Guastalla, dalla commedia di Ercole Luigi Morselli P 137 (1921-1922)
. La campana sommersa, opera in quattro atti, libretto di Claudio Guastalla dal dramma di Gerhart Hauptmann P 152 (1925-1926)
. Maria Egiziaca, mistero in un atto e due episodi, libretto di Claudio Guastalla P 170 (1931)
. Belkis, regina di Saba, balletto in cinque quadri P 171 (1932) al Teatro alla Scala di Milano diretto da Franco Ghione
. La fiamma, melodramma in tre atti e quattro quadri, libretto di Claudio Guastalla da un romanzo di Hans Wiers-Jenssen P 175 (1933)
. La bella dormente nel bosco, fiaba musicale in tre atti, libretto di Gian Bistolfi, da Perrault P 176 (1933)
. Lucrezia, istoria in un atto e tre momenti, libretto di Claudio Guastalla P 180 (1935/1936, completata da Elsa Respighi)

Libri:

. Orpheus, manuale di storia e forme della musica, scritto insieme a Sebastiano Arturo Luciani (1926; edizione moderna: 2020).

Discografia:

. Fontane di Roma/Pini di Roma – Orchestra Filarmonica di Trieste / Francesco Mander, (RCA Victrola)
. I Pini di Roma/Fontane di Roma/Ancient Airs and Dances I-III (Antiche Arie e Danze) – Berlin Philharmonic Orchestra / Herbert von Karajan, (Deutsche Grammophon)
. I Pini di Roma/Feste Romane/Fontane di Roma – Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia/Antonio Pappano, (EMI Classics)
. I Pini di Roma/Fontane di Roma – Chicago Symphony Orchestra / Fritz Reiner, (RCA) (on JVC in Japan)
. I Pini di Roma/Feste Romane/Fontane di Roma – Montreal Symphony Orchestra / Charles Dutoit, (Decca)
. I Pini di Roma/Feste Romane/Fontane di Roma – NBC Symphony Orchestra / Arturo Toscanini, (RCA)
. I Pini di Roma/Feste Romane/Fontane di Roma – Royal Philharmonic Orchestra / Enrique Bátiz, (Naxos)
. I Pini di Roma/Fontane di Roma/Feste Romane – Philadelphia Orchestra / Riccardo Muti, (EMI Digital)
. Brazilian Impressions/Metamorphoseon – Philharmonia Orchestra/ Geoffrey Simon, (Chandos)
. Ancient Airs and Dances I-III (Antiche Arie e Danze) – Philharmonia Hungarica/ Antal Doráti, (Mercury Records)
. Ancient Airs and Dances I-III (Antiche Arie e Danze) – RTÉ National Symphony Orchestra/ Rico Saccani, (Naxos)
. I Pini di Roma/Fontane di Roma/The Birds (Gli Uccelli) – London Symphony Orchestra/ István Kertész, (Decca)
. Church Windows (Vetrate di Chiesa) – Cincinnati Symphony Orchestra / Jesús López-Cobos, (Telarc)
. Three Botticelli Pictures (Trittico Botticelliano)/The Birds – Academy of St. Martin in the Fields, Los Angeles Chamber Orchestra / Sir Neville Marriner, (EMI Classics)
. Belkis, Queen of Sheba – Suite / Metamorphoseon – Theme & Variations – Philharmonia Orchestra / Geoffrey Simon, (Chandos)
. Suite in G for Organ and Strings – Robert Boughen / Queensland Symphony Orchestra / Vanco Cavdarski, (ABC Classics)
. Pines of Rome/ Fountains of Rome/ Metamorphoseon Modi XII – Cincinnati Symphony Orchestra/ Jesús López-Cobos (Telarc)
. Belfagor Overture / Pines of Rome / Fountains of Rome – London Symphony Orchestra / Lamberto Gardelli; The Birds / Trittico Botticelliano – Academy of St. Martin in the Fields / Sir Neville Marriner; Ancient Airs and Dances I-III – Los Angeles Chamber Orchestra / Sir Neville Marriner, (EMI Classics)
. Gli uccelli / Vetrate di Chiesa – Philadelphia Orchestra / Eugene Ormandy, with Scarlatti/Tommasini: Le donne di buon umore – Orchestra di Cleveland / Louis Lane, (Sony Classical)
. Sinfonia Drammatica – Slovak Philharmonic Orchestra / Daniel Nazareth, (Naxos)
. La Primavera / Quattro liriche su poesie popolari armene – Slovak Philharmonic Chorus/Slovak Radio Symphony Orchestra / Adriano, (Marco Polo)
. Variazioni sinfoniche / Preludio, corale e fuga / Burlesca / Ouverture carnevalesca / Suite in E major – Slovak Radio Symphony Orchestra / Adriano, Ferdinand Klinda, organo, (Naxos)
. Humoreske / Leggenda / Sei piccoli pezzi (transcription for orchestra by Adriano) / Rossiniana – Orchestra Sinfonica di Sassari / Roberto Diem Tigani, Marco Rogliano, violino, (Inedita CD)
. Concerto per Violino (in La Maggiore) / Aria per archi / Suite per archi / Rossiniana – Chamber Orchestra of New York / Salvatore Di Vittorio, Laura Marzadori-violino, (Naxos)

Omaggi e riconoscimenti:

< I maestosi 40 secondi finali di Vetrate di Chiesa – S. Gregorio il Grande sono utilizzati dal celebre gruppo rock “Emerson Lake & Palmer” come “sigla finale” dei loro concerti dal vivo.
< Per il suo film d’esordio Fireworks (1947) il regista underground Kenneth Anger scelse per il commento musicale parti della Trilogia romana di Ottorino Respighi.
< Nel film d’animazione Fantasia 2000 della Disney il secondo episodio è basato sul poema sinfonico “Pini di Roma”.

< A Ottorino Respighi è stato intitolato nel 1991 il Conservatorio Statale di Musica di Latina, Istituzione di Alta Cultura, appartenente al sistema dell’Alta Formazione Artistica Musicale e Coreutica (AFAM).

Battuto al computer da Lauretta

Ottorino Respighi:

https://it.wikipedia.org/wiki/File:Respighi_1935.jpg

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Riccardo Muti dirige la “Philadelphia Orchestra”: FESTE ROMANE, “LA BEFANA”